Hemos dicho adiós a marzo, pero la esperanza de bonanza nunca llega. Vivimos en un abril tan reversible como el futuro económico-social. Se deshace lo hecho, se vive muriendo sin poder respirar este aire contaminado, donde el poder depende del dinero más que nunca, un dinero solamente saneado en el ámbito del engaño que nos asfixia mientras que se deprecia para cualquier clase que no sea la dominante.

Solo nos toca reaccionar, aún con peligro de nuestras vidas, puesto que el mundo político se ha instaurado en el engaño. Desde Felipe González se nos ha mentido. ¿Qué pasó con la entrada en la OTAN después de tantas promesas de abstención? Y ¿qué está resultando de este acuerdo europeo desde el nombramiento de nuestra nueva moneda acogotadota?

El euro ha terminado con las defensas ciudadanas. El capitalismo más terrible va inundándolo todo y aquí estamos, enquistados en la desesperanza, con la creatividad, la educación y la seguridad social en extremo peligro.

La última relación de puestos de trabajo, conseguidos en los últimos tres meses de gobierno del PP ruborizarán a cualquiera con un mínimo de dignidad; sobrina de Fraga Iribarne, hijo de Calvo Sotelo, cuñado de Miguel Arias Cañete, esposa de Álvaro Nadal Belda, hermano y hermana de Raquel Catalá Polo, marido de Sonia Ramos Piñero, esposa de José Canal Polo, compañera sentimental del Presidente de la Xunta de Galicia, hijo de Marcelino Oreja, hijo de Jesús Cardenal, hijo de Esperanza Aguirre, hija de Eduardo Zaplana, concuñado de Cristóbal Montoso, ex mujer de Rodrigo Rato, hermano y marido de Mª Dolores de Cospedal, hermano de María Flavio, hermana de Rafael Rodríguez Ponga, hermano de Álvaro Nadal Belda, hermano de Alberto Nadal casado con Mª Teresa Lizaranzu Periñat, hijo de Elvira Rodríguez (ex ministra de Medio Ambiente) y marido de Soraya Sáenz de Santamaría (Vicepresidenta del Gobierno)

INFORMACIÓN DESCAFEINADA

Como cualquier persona que se precie estoy obsesivamente pendiente de la información, por cierto nada escuálida. Programas bien sustentados se emiten por las principales cadenas de TV, como “24 horas” -por ejemplo- que, con mesas redondas heterogéneas ideológicamente tratan de decir que analizan este embuste manifiesto que ni siquiera insiste en acabar con la terrible corrupción. Los grandes capitales se salvan de los barridos mientras que los demás temblamos ante un futuro que se anuncia desvergonzadamente contra lo que hoy todavía se sostiene. ¿Podemos dudar de ser intervenidos a pesar de las promesas, cuando la mala -siempre mala- baba de los gobernantes van suplicando pan, puesto que es lo mismo que confianza en sus desatributos?

Un universo político feo empezando por la imagen de las ministras es poseído y alineado con la canciller alemana de infausta memoria.

¿Porqué en los medios informativos no se habla en realidad de los engaños, ¿de las terribles realidades que nos circundan en lugar de haber un clima de bonanza en la habitual sonrisa tranquilizadora de los presentadores?

DIEZ ESPECTÁCULOS Y UN MÍNIMO INTERÉS EN RESALTARLOS

Lo que he visto y oído no son platos fuertes en este invierno sin esperanza de cambio. ¿Qué significan al lado de este desierto sin agua? Los programas capados, “la cámara” que Rato ha puesto a la sombra, El Real y La Zarzuela traduciendo espectáculos más mal que bien, las batutas sin brillo mantenidas, las intervenciones siempre inoportunas de los directores artísticos programándose a si mismos, como es el caso de Boadella, que antes no soportaba Madrid y ahora convive feliz con los que fueron sus oponentes gracias a su dominio de los Teatros del Canal.

Clemenza di Tito

EL REAL DEL BIEN AL MAL

Mozart se impone por encima del desasosiego en este caso ayudado por Metastasio. La nueva producción procedente del Festival de Salzburgo es ligera y aséptica y estuvo bien cantada y bien dirigida.

La Clemenza di Tito trasciende la ópera heróica convirtiéndola en modelo neoclásico de pieza basada el la historia antigua instaurada en la serena grandeza.

No ocurrió lo mismo con el proyecto de Alain Platel con música de Verdi y Wagner.

C(H)OEURS (Coros corazones)

La pretensión nos asoló. La creación multiplicada empobrece los centros creativos. Para la mayoría resulta necesario significarse, y hoy, a través del arte basura que abaratan los medios, surgen personajes como Platel que intentan renovarse a pesar de ellos mismos.

Chouers

Este reforzamiento del nacionalismo sigue alterando el significado del futuro con una afición descalificadota que queda perturbada por un paisaje que de inmediato nos es indiferente. Los Ballets C de la B, realizan coreografías desintegradotas provenientes de la “performance”. Se ponen patas arriba las convenciones culturales y en seguida se dilapida el tiempo sin ni siquiera ordenarlas.

CANDIDE, EL GATO MONTÉS Y GITANAS EN CONCIERTO

Nancy Fabiola Herrera

No nos encontramos con ningún EUREKA artístico. El clima político enturbia la atmósfera a tal medida que nos sentimos incapaces de ser compasivos. Pasamos con dificultad los días, sabiendo con desconfianza durante este invierno eternizado, gastando más fuerzas en los viajes que las que logramos restaurar con el escaso gozo de los espectáculos.

En La Zarzuela dos tardes nos colocaron ante un recital de mezzo con orquesta y una zarzuela que yo diría felizmente olvidada. La apuesta en el primer caso llega solo al aprobado debido a que la voz de Nancy Fabiola Herrera, está bien timbrada y con una afinación que le permite recorrer bastantes campos acercándonos a las “gitanerías” de la música, que comenzaron con El Amor brujo de Falla, que vestida de bombón Ferrero Roché, fue mal entendido por la cantante y la batuta de Cristobal Soler dirigiendo una aceptable Orquesta de la Comunidad de Madrid. El tópico se expandió por Verdy, Soutullo y Vert, Chapí, Serrano, Jiménez y -¡cómo no!- la Carmen de Bizet en previsibles versiones que sin embargo despegaron a Nancy Fabiola de la irrealidad de sus discos, mucho más cuidados, o trucados, que ahí puede estar la diferencia en este caso a disfavor.

El Gato Montés

El Gato Montés, música y libreto de Manuel Penella, acabaron por agotar mi paciencia por el tópico que reune todo lo salido de otra “Carmen” de segunda que aborda el ridículo con un argumento insufrible y un texto vulgar comprometido con la escena de Francisco Leal con espantosos figurines de Pedro Moreno y una incomprensible dirección escénica de José Carlos Plaza que aumenta las fealdades del largísimo producto. La música, mejor que el resto, no salvó sin embargo la situación mal cantada por la mayoría, como la gritadora Ángeles Blancas y Milagros Martín en un papel profundamente mal elegido. Cito aceptabilidad de un tenor joven Andeka Gorrotxategui en el papel de “el Macareno” y al estupendo barítono Ángel Ondena propiciando el gran absurdo de el bandido (El Gato Montés). El padre Antón de Rubén Amoretti pronunció aún más la broma de mal gusto a sí como la envejecida coreografía de Cristina Hoyos.

SOBRE CANDIDE

Candide

Sobre “Candide”, opereta de Berstein mal traducida al español, empezó a aburrirnos seriamente tras el descanso. Poco que decir salvo que se distorsionó el significado que Voltaire para así facilitarnos una comicidad a la española, la misma que alfombrara un pretérito cine nuestro extendido a interpretaciones sesgadas, y parecidas entre sí lo suficiente como para proporcionarnos una personalidad casi siempre inoportuna. Termina siendo el elemento repetitivo el que conduce a la opereta a la vulgaridad incapaz de ser sostenida por la música del impresionante compositor norte americano. Dos horas y media que sobran por lo menos en una, a pesar de algunos aciertos vocales como el de María Rey-Joly en Cunegunda. La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid tocó, eso si, con ganas mandados por Manuel Cores, aunque no pudiese ir más allá de las limitaciones que Paco Mir imprimiese a la adaptación musical y las canciones.

CON LA MÚSICA A OTRA PARTE, GRACIAS A DIOS

Dudamel

Hemos dicho prácticamente adiós a los mayores acontecimientos de “cámara” por la desgraciada decisión de Bankia. El a punto de extinguirse Cuarteto de Tokio se despidió de nosotros con los últimos cuartetos de Beethoven y Bartók, dándonos así una última visión como para abstenerse un tiempo de escuchar más música.

oshua Bell

Pero no podemos esquinar los tres conciertos promovidos por Juventudes Musicales de Madrid que también nos dejarían memoria. Los días 1, 18 y 31 de marzo el Auditorio Nacional nos devolvía un tanto de esperanza. La London Philarmonic dirigida por Vladimir Jurowski y el violín solista de Joshua Bell en el trascendental Concierto de Brahms que fuera la estrella sobre la más adocenada Sinfonía Manfred de Tchaikovsky; que con la Filarmónica de Radio Francia, que con Myung-Whun Cheng y la pianista Katia Buniatishvili, dibujaron un emocionante Concierto para Piano en Sol Mayor de Ravel, secundado por Preludio a la siesta de un fauno de Debussy y la Suite 1919 de El Pájaro de fuego de Stravinsky, terminando con La Valse, en una versión probablemente inalcanzable; la Gotenborg Synphony y el genio de Dudamel tras un Don Juan, overtura

Katia Buaniatishvili

de Richard Stauss, el Redoble de Timbal de Hydn atacando por fin, en una vertebración apasionante Also Sprach Zaratusthra, el meteórico “poema sinfónico” también de Strauss para dejarnos inundados de la experiencia de la abstracción en sus más puros significados. Dudamel ha traspasado a su corta edad todos los límites de la comprensión.

Tras un concierto “solo aceptable” de la ONE con Pons y el Coro, al que hay que agradecer el Dafnis Chloe de Ravel completo, nos aproximamos de nuevo a la “cámara” a través de un ciclo de canciones que, en el Palacio Bauer interpretaron la mezzo Marta Infante y el pianista Jorge Robaina en una felicísima tarde.

EL FERVOR DE LO PEQUEÑO

Brahms y Dvorak como pleamar de vocaciones, Toldrá y Julio Gómez como testigos de lo español,  el palacio Bauer representando la música con mayúsculas, a pesar de la falta de metros cúbicos y nombres menos sonoros que Plácido Domingo o Nuria Espert como artistas destacados. Una suerte en definitiva para defendernos de tanto camelo, para pronunciarnos por un futuro que lo único que obtiene es la oposición de los oportunistas programadores, que resuelven mantener sus nombres sin sustancia a base de otros nombres confirmados.

Marta Infante y Jorge Robaina

La Iglesia impuso la confirmación desde la antigua coronación de reyes, después todos hemos vivido a expensas de la falsedad y, burla burlando, el mundo se convirtió en la mentira que transgrede cualquier moral mientras que parece hipócritamente sustentarla.

Marta Infante (mezzosoprano) y Jorge Robaina (pianista) nos dieron un aire de renuevo para esa tarde regalo de “el lied religioso”. Un público, menos pretencioso del que habitualmente sale masivamente diciendo insensateces de la ópera, los teatros o los auditorios, gozó como yo de la grandeza de lo justo sin mezclarse con la ganga gracias a las programaciones tan frecuentes sin respeto por nuestra evolución y nuestros artistas, que además abaratarían seriamente los productos.

AL BORDE DEL DESASTRE

Hoy-16 de abril del 2012 en que escribo- , con el Rey en una clínica y la Reina, de visita ortodoxa en Grecia, para dejar ya sin dudas su catolicismo pactado, todo se mueve en la pesantez del fracaso. Se han roto al fin barreras, impuestas por el miedo casi siempre, y se habla de la “familia real” con la flagrante denuncia de sus actos impensables.

Se asiente que D. Juan Carlos bebe, caza sin relax económico y reina con deficiencia esquilmando la merma de su sueldo y “diciendo” preocuparse del paro sobre todo juvenil. Dña. Sofía especula, puja por pinturas millonarias. La infanta Cristina sufre una clara amnesia sobre los entramados económicos de su marido y Elena, separada de un cocainómano reconocido en todo Paris como de moral poco ortodoxa revive un accidente más de la familia en la persona de su hijo, cosa parece ser no ajena a las prácticas borbónicas.

Todo eso ha renovado pasados encuentros, incluso con la angustia del fervor por la familia de las armas de fuego. Al lado del triste recuerdo de la muerte de Alfonso se destaca la realidad poco legal en cuanto a la línea sucesoria sobre el embrollado nombramiento del propio Juan Carlos, propiciado directamente por decisión de Francisco Franco Bahamonde.

Hundidos en la derecha se han terminando desprestigiando nombres como el de Carmen Iglesias, inteligente formadora que proviniendo de una izquierda límite se convirtió en la oportuna intelectual que concedió el aparente privilegio de la democracia a una familia hoy de nuevo en profundo entredicho.

Hay bastantes voces que piden la abdicación del monarca y con ella el cambio de nuestra Constitución, donde personajes tan discutibles como Fraga Iribarne tuvieron un significado hasta hoy incomprensible.

No espero que eso llegue a darse aceptando que las derechas y las izquierdas se han aproximado de manera indigna y que la mayoría de los que rigen nuestra existencia político-social-económica y cultural están dentro de las conductas más adversas de la evolución, asomando sus rostros farisiacos  por detrás de la torpeza y oportunidad –para ellos- de sus mensajes.

VÍCTOR M. BURELL

No resulta nada fácil, pues ni la fama ni el “cachet” que les preceden responden luego a la realidad. El Auditorio Nacional tiene casi perpetuamente encendida la luz roja de no pasar una vez comenzado el acto; pero yo, esperanzado y engañado, después de entrar ya no suelo salirme.

Voy a hablar brevemente -dejaré espacio para lo bueno- de lo que me aburrió o incluso importunó mis horas de trabajo. Con la danza y el teatro no me ocurrió lo mismo por lo que insisto a los melómanos impenitentes para que a veces cambien de tercio y así sonreirán de felicidad; aunque, francamente, los aplausos y los bravos inesplicables palian el desencanto de muchas tardes de El Real y el Auditorio.

LA ORQUESTA NACIONAL cubrió su fin de semana de 17 a 19 de febrero con un programa dedicado a Mahler de importante tirón. La   Sinfonía nº 1 en Re Mayor, Titán se completó con uno de los diamantes vocales que cerraron el siglo XIX: Canciones a la muerte de los niños (los cinco Kindertotenlieder que llevan el destino de la parca impredecible en sus incomparables textos).

Un director italiano, joven e interesante (Nicola Luisotti) luchó con la orquesa de manera precisa sin alcanzar el “feeling” con los músicos, que disturbaron el resultado final.  Dietrich Henschel -dicen que barítono- los cantó, o al menos eso suponemos, puesto que desde el lugar de mejor acústica de la sala no pude oir prácticamente nada.

Las economías de las recientes autoridades, poco rentables para el ahorro, empezaron a omitir el tradicional e histórico programa de mano, por lo que nos dejaron no solo sin las letras en alemán si no también sin sus traducciones, estando así no exclusivaemnte sordos si no también ciegos ante esta gran propuesta malheriana.

EL RECITAL DE MARK PADMORE, acompañado del cuidadosísimo pianista Paul Lewis, en el XVIII Ciclo de Lied de La Zarzuela pecó de lo mismo, aunque no a tal extremo. La voz del tenor londinense -Winterreise de Schubert se escribió para esta tesitura- interpretó las 24 piezas con un cierto “manierismo”, oportuno solo algunas veces, al tener que ceñirse a una escasa voz centrada en la más intimista de las expresiones. Esta soberana, inmensamente larga despedida, en línea bastante plana demostró las necesidades impuestas por la materia y, de manera efectiva, mimadas por un teclado claro aunque sumergido.

SOBRE EL 14 DE FEBRERO también tengo algo que decir reafirmando mi queja ya histórica sobre los escasos ensayos. La sensitiva Orquesta de la Comunidad de Madrid prestó esta vez el podio al maestro García Asensio que, reafirmándose en su seguridad midiendo, hizo una obra sin demasiado calado del estupendo contemporáneo Durán Loriga (muy bien orquestada) y el Concierto nº 3 para piano y orquesta de Bartók, en el que actuó como solista el pianista canario Guillermo González.

Esta obra, mucho más tardía que los dos conciertos anteriores, fue terminada en una mínima parte por su discípulo Tibor Serly. Dedicado a la esposa, una preciosista mozartiana, tiene un carácter mucho más delicado que los números 1 y 2, centrándose también escasamente en la rítmica utilizada por Bartók.

La batuta, para saltarse escollos, midió sin contemplaciones el Concierto pero no hubo ni agresividad, ni dinamismo, ni tensión, por lo que se perdió claridad y trasparencia lo que no evitó una versión con suturas y variaciones retardadas de velocidad.

González luchó contra el concepto exhibiendo, cuando pudo, su claridad sumergida, quedando el posible recuerdo mozartiano un tanto sofocado a pesar del hermoso sonido.

Mi lógico enfado contra la ilógica falta de preparación me hizo desaparecer de la sala antes de una Cuarta Sinfonía de Tchaikovski, en la que García Asensio dirigiría mucho menos obligado.

NEBRA Y EL TIEMPO aparecieron después de sus muchos olvidos en el Auditorio gracias al Centro Nacional de Difusión Musical, en el programa El Universo Barroco con la zarzuela del siglo XVIII Iphigenia en Tracia, con libro de Nicolás Gonzáles Martínez.

Hablo del tiempo, en paralelo a Nebra (autor importante en nuestra geografía), para que nos hagamos conscientes del paso de la historia. Más de dos siglos y medio nos ponen en guardia sobre la recepción de ciertas fórmulas. Las más de dos horas -omitidos los textos hablados- dieron buena cuenta de nuestra paciencia investigadora, aburriéndonos (esa es la palabra) y aún desesperándonos en cada vuelta atrás de las partituras, pues la totalidad de las larguísimas arias fueron “da capo”,  y añadidas a los recitativos aconsejaban tijera, para que un espectáculo bien trabajado como el presente retuviera la atención que necesita.

Dos jornadas (24 partes) bellas, aunque muy miméticas algunas con la música de los grandes de la época, intentaron sostener el texto mitológico (muy al gusto de mediado el XVIII) donde aparecen los personajes habituales de la Grecia clásica. El libreto pesa sobremanera y la variedad de los protagonistas, cantando, envuelve una confusión difícil de seguir.

El Concierto Español, compuesto por 24 músicos, tomó buena conciencia de la partitura barroca cantada por cinco mujeres y el tenor, profesor de la Escuela de Canto, Miguel Bernal. El reparto lo componían: Marta Almajano (Iphigenia), María Espada (Orestes), Marta Infante (Cofieta), Raquel Andueza (Dircea) y Soledad Cardoso (Polidoro). A mi juicio Iphigenia y Cofieta (una mezzo casi contralto) desarrollaron los mejores papeles del reparto. Pero lo cierto es que la mitad hubieses sido suficiente para descubrir con buenos márgenes a este compositor español recuperado con justicia.

DEL ENCANTO HACIA UN DESENCANTO POCO RAZONABLE fueron las dos actividades de Ibermúsica con la prodigada en España Academy of St. Martin in the Fields. En el abono “B” el programa -precisamente escrito por mí- cambió de manera sustanciosa por enfermedad de Murray Perahia y fue Kenneth Sillito quien sustentó la dirección de los cambios, el Concierto nº2 para piano de Beethoven por la trascendente y equilibrada Sinfonía nº 29 de Mozart más la 25 del mismo compositor y la nº 44 de Haydn, ambas en lugar de la Sonata para piano, en Do Mayor, Gran Duo de Shubert en arreglo de Joachim, mucho más interesante y esperada.

No debemos hablar más que de perfección y gracia; pero la falta de Perahia enturbió los momentos del nº 27 (último del catálogo del inmortal salzburgués) que rebasó el día antes todas las posibles espectativas. La serenidad clásica había llegado a un punto inmortal que prácticamente borró de mi recuerdo todas las grandiosas interpretaciones escuchadas hasta el presente. La expresión sobre el virtuosismo, la delicadeza contemplativa y la sorprendente nostalgia se rubricaron a través de un pianista digno de la obra; no se puede decir más.

David Kadouch (Piano), Carole Petitdemange (Violín), Pablo Ferrández (Violonchelo)

DESPUÉS DE UN ÁNGEL OTRO

Después de Perahia, patrocinada por la Obra Social “La Caixa”, la Orquesta de Cámara Sony, (de la Escuela Superior de Música Reina Sofía) hizo su aparición en la sala sinfónica del Auditorio Nacional, dirigida por su maestro titular Antoni Ros Marbà. En el programa Sortilegis para orquesta, de Montsalvatge, la Sinfonía nº 38 “Praga” de W. A. Mozart y, para cerrar la noche (el concierto fue ofrecido a las 22,30) el Triple Concierto para violín, violonchelo y piano en Do Mayor de Beethoven, actuando como solista el Trío Flamel de la misma Escuela: Carole Petitdemange (violín), Pablo Ferrández (violonchelo) y David Kadouch (piano).

La noche pareció no tener tope. Aquellos muchachos, exaltados por su trabajo, rendían siempre en su línea de entusiasmo. Sentían cada pincelada de la entregada batuta, amando lo que cantaban sus instrumentos como muchísimas veces las orquestas institucionales adultas no lo hacen.

Pero si la emoción fue la inmediata respuesta del público, todo llegó al cenit en la segunda parte con el “Triple concierto” beehtoveniano. Es necesario hablar del entendimiento entre los tres solistas y las sugestiones del maestro. La materia era amor en ese frixar de los 20 años para alcanzar un nivel antológico en la traducción de esta obra que inauguró el siglo XIX.

Se trata en realidad de una sinfonía concertante en la que el reparto del recorrido temático está prácticamente equilibrado entre los tres solistas que profundizan tanto en lo rítmico como en lo melódico, asumido en perfecta concordancia.

El primer movimiento tiene forma de sonata, el “Largo” da la voz preponderante al violonchelo que termina introduciendo el final sin interrupción; un “Rondo” con ritmo de polonesa, brillante hasta el punto de convertirse en lo mejor de esta obra que rebasa la media hora.

Al día siguiente, como enorme excepción, disfruté de nuevo de la segunda ejecución de esta maravilla que Pablo Ferrández (hijo de un gran chelista que conocí hace 30 años) tejió con la violinista de exquisito sonido (Carole Petitdemange), apoyándose en el piano del también francés David Kadouch, que ya una vez me sorprendiera con uno de los mejores Schumann escuchados a lo largo de mi ya larga existencia.

Ángeles entre nubes, como Perahia y esta actuación hipnótica desde los contrabajos, como su primero (Joaquín Arrabal) se dan pocas. Habrá que esperar lluvias y desatar tormentas para que en un cielo esclarecido podamos encontrar alas, que como éstas, nos obliguen a creer en paraísos.

Y MÁS ÁNGELES QUE BAILAN O HACEN TEATRO

Demo-n Crazy

Si bien la música ha sido este febrero en gran parte decepcionante, no puedo decir lo mismo de la danza y el teatro. Cinco títulos, cinco satisfacciones bien cumplidas.

EL BALLET CONTEMPORÁNEO DE CUBA fue el que presentó en el Teatro Real el significante antológico hoy en alza aunque con bastantes lagunas. Pequeños conjuntos se atreven a romper las reglas que del baile se esperan, siendo los que significan una vanguardia necesaria sintiendo casi siempre caducada la estética al uso.

Demo-n Crazy, coreografía de Rafael Bonachela; Folía de Jan Linkns y Mambo 3XXI de George Céspedes en colaboración con los bailarines elevaron el pabellón cubano una vez más en lo que se refiere a arte.

La conjugación de los cuerpos olía a imposible. La libertad de las ideas a lección para un país como el nuestro que nos atrevemos a llamar demócrata. Los prejuicios se exorcizaron en la primera pieza en la que los intérpretes acceden a los deseos sin límites que marcan su identidad.

Linkns retoma la tradición europea que, vestida de rojo, canta la alegría de vivir en fusión con la sensualidad cubana como gérmen. La pieza tiene algo de celebración bachiana aunque la música no responda al barroco. Y por fin “Mambo”, estudiando la simetría como milagro, se sale de lo geométrico para convertirse en pulso, en latido de un corazón sustentado por los 31 bailarines que delinean su sexo a través de la forma, reapareciendo las esencias que hace más de 50 años Pérez Prado impulsó hacia un mundo rendido a su ritmo.

Folía

La alegría de vivir  -más allá de la egemonía- es tan lascivamente consecuente con los deseos, que se imponen hasta el punto que el encorsetado Real llora con amor el final de las actuaciones de estos cuerpos, de estos espíritus desencadenados en felicidad.

CARMEN WERNER LA SENSATED DE UNA MENTE FORMIDABLE: Carmen, otra vez, radiografiando los sentimientos fue el otro triunfo, esta vez en Cuarta Pared. Se trataba de un experimento (ella siempre experimenta) para avanzar en el cientifismo de la danza, que como la camisa en los reptiles se renueva hasta dar lugar, diría yo, a conseguir otra era.

La mujer invisible es una compleja armonía que nunca se sedimenta. Se desplaza y, cuando parece diluirse, reaparece mostrando otros perfiles. Juntos todos parecen explicar la construcción de algo que, como el ser humano, nunca se percibe por completo.

Ángulos, relaciones, ausencias; cuerpos en definitiva que, desnudos o no, entrevelan sus secretos entre la flor y la piedra para dejarnos tocados en la especie, no visibles al cosmos que ha provocado “Provisional Danza” en colaboración con “360 Danza de México”. Todo fueron vivencias reforzadas por la pantomima de una palabra absuelta de gramática pero perfilada con la complejidad del movimiento.

Carmen Werner

TRES TEATROS, TRES LADRONES DE CALMA, TRES APUESTAS CONTRA EL TIEMPO

Tío Vania de Chéjov, vence al tiempo porque trata abiertamente de nosotros: los hombres. Luchando contra el pienso compuesto que arrolla nuestra época, incapaz ya de cocinar, nos descubre vencidos pero invencibles, amargos en la enseñanza de la esperanza aunque probablemente sea tarde.

La televisión, que ha entrado tan subrepticiamente en nuestras vidas como el cáncer, nos muestra sin recelo lo que nos resbala por el cuerpo como el agua, lo que nos tiñe de idiocia prestos a votar lo que no nos conviene, engañados cada vez con más facilidad por los sacamuelas de la política.

La caja tonta conviene solo a nuestra realidad cuando el sueño se apodera de la mayoría. Los buenos programas (pocos) son de madrugada. El teatro, el verdadero teatro que vive encorsetado por la taquilla cuando es verdadero no solo nos despierta si no que nos inquieta y nos da que pensar para siempre.

TIO VANIA HABLA DE ALGO QUE NOS PERSONALIZA EN EL SIGLO XXI: LA RESIGNACIÓN. Hoy tendrían que estar las calles rebosando de rebeldes, desafiando el tiempo de la confusión y la desesperanza; pero ¿qué puede esperarse de los votantes que creen en masa con tanta facilidad las promesas?

Amigos míos, cuando el dinero asoma su maloliente aliento, aconsejando al poder significarse, caemos en el abandono de la esperanza. Nos preguntamos después -no siendo dueños de nuestro presente- si el futuro nos permitiera elegir, ¿podríamos escapar a los que nos educaron para sumisos?

Hombres y mujeres, pasado el tiempo, se conciencian de que es su destino el que en realidad comienza a escapárseles. No se trata de un hecho si no de la consecuencia de no saber vivir de otra manera, o de no atreverse, que es lo mismo en definitiva.

La Compañía “L’Om-Imprevís” con la dirección de Santiago Sánchez presentó un Tio Vania realista, abrazado con rigor a su ambiente de campo ruso, con pocos medios y ejemplar diseño escenográfico de Dino Ibáñez bien servido por la luz y el vestuario además de por ocho actores formidables. (Teatro J.M. Rodero de Torrejón de Ardoz).

INTELIGENCIA Y SENSIBILIDAD

Cardenio. Cedida por Sala Azarte

“The Cardenio Project” e “Intento, un Acto de Amor” pueden estar incardinadas respectivamente en los calificativos de este titular. Un teatro definitivamente diferente para darnos de nuevo confianza en el género, hoy tan llevado a los campos del tópico o de la argucia al prescindir de la importancia de los textos.

Jesús Eguía Armenteros y Santi Senso son auténticos creadores en estas dos piezas, tan distantes de contenido como analíticas y próximas en despertar el interés por medio de lo distinto. Ya no hay costumbre de pensar y también se ha perdido la costumbre de sentir; ambas cosas fueron recuperadas en dos salas íntimas fuera de las argucias de los grandes locales con telón.

Cada día, recibidas las noticias económico-social-políticas me sumerjo en la angustia de vivir y veo cerca el estallido de la violencia, que empezará en huelgas (cada vez más restringidas y castigadas) terminando en la represión prevista desde ha tiempo por una ultraderecha que organiza el mundo, y nos llegará como un chorro de sangre y de veneno. El neoliberalismo llevado al extremo nos exige pues inteligencia y sensibilidad como único antídoto.

INTENTO, UN ACTO DE AMOR significa nada menos que el exorcismo del odio, una vuelta al cristianismo sin el Cristo desgastado por sus Iglesias que da remedio a los males que nos asolan. A falta de la demostración del alma sirve el cuerpo desnudo, inmolado, acariciado incluso con timidez por un público que no está acostumbrado al contacto.

Intento. Foto de Luís Bravo

El personaje central, que nos invita a saltar a la comba y a jugar a la rayuela, es “el otro” (todos los demás) que habla desde la sombra como la imagen fija de los dioses. Contar la vida es desnudarse también haciendo un ejercicio mezcla de locura y santidad. El acto del confesionario casi extinto se ha convertido en confesión directa, nítida, sin ninguna vergüenza.

El contenido de aquella maleta es una ropa que le sirve al “prójimo”, palabra que ha perdido el significado por el comportamiento de una Iglesia avara y disturbadora.

Santi Senso nos devuelve a la infancia por que el pecado original no existió, es un invento para sacrificarnos en aras del poder. Palpamos la realidad sin miedo, con esperanza, con la conciencia de que Lucifer no fue un ángel caído si no el primer hombre con ansias de dominio.

Santo Senso, ora pro nobis.

anti Senso. Intento. Foto de Pepe Arco

SOBRE CARDENIO: Tenía que ser otro país el que investigara la existencia de los dos Cardenios, nosotros cambiamos becas de investigación por enriquecimiento manifiesto de la Iglesia Católica.

Stephan Greenblatt (profesor de Harvard) ha descubierto al segundo, el que Shakespeare utilizara para una obra perdida basándose en una historia de amor, y ¿cómo no?, de celos, para finalizar en traición y locura en la historia también que Cervantes, en su Ingenioso Hidalgo, narró, y que en “El Curioso Impertinente” es leída en alto con la petición que un recién casado hace a su supuesto mejor amigo para que tratando de seducir a su mujer pudiera probarse su fidelidad.

La maraña era complicada, el interés, despertado por una adaptación de Lewis Theobald sobre Shakespeare y Fletcher, levantaba ampollas de entusiasmo. Sería Jesús Eguía quien se lanzó a la aventura de su tercer Cardenio, en uno solo, a través de una puesta de “Yelmo de Mambrino Teatro”. A nosotros, a España, nos toca pues en lenguaje puro y duro crear consiguiendo con seis personajes y una proyección desbrozar un campo íntimo, escandaloso y triste, como resulta casi siempre el comportamiento humano.

Cardenio. Foto cedida por la sala Azarte

El autor concibe en el tiempo pero también fuera de él, lo que en el presente se desarrolla perfectamente nítido por su obra, la de las mujeres y un terrible personaje del siglo XXI: Fernando. D. Quijote y Sancho pululan en su elasticidad falsa por toda la obra; pero la falsedad, tan clara para el escudero, no funciona de igual manera para el hidalgo.

Una sala de estar de unas 40 localidades se utilizó de manera persuasiva gracias a las estupendas argucias de la dirección de Eguía. Sin ningún tipo de cortapisas se desarrolló en la Sala Azarte de la calle San Marcos este disparate nada disparatado en este mundo sin Dios, que según Shakespeare sería como una fábula contada por un idiota en un acceso de ira.

Gracias pues a Stephan Greenblatt, Jesús Eguía Armenteros y los actores Juan Díaz, Rafael Navarro, Ernesto Gil, María Felices, Román Moreno y Alba Alonso Bayona, que tanto me han ayudado a pensar.

Mambo

VÍCTOR M. BURELL

Solucionada la duda sobre la prole de las prostitutas (niños normales con todos los defectos menos el de la política) puedo extenderme sobre unos cuantos días en que valió más lo menos conocido, lo menos apadrinado, lo de menos fama. Hay pues mucho que atender fuera de los teatros oficiales, los que exhiben carta de naturaleza de reconocidos, subvencionados y mimados por las autoridades y la gran burguesía todavía practicamente del siglo XIX.

EL PRINCIPIO

Empezando por una re-visión de “Los corderos” (descubiertos el último verano en Altea), mi año comenzó bien, puesto que en la segunda edición, esta vez en un discreto teatro de Móstoles, nos demostró sobradamente el valor de la pieza de David Climent y Pablo Molinero con esta formidable compañía catalana a la espalda.

El Mal Menor, incisivamente (nunca mejor dicho), nos demuestra que el poder, que todos afirman desear para corregir errores sociales, solamente se utiliza ante y sobre todo en beneficio propio. Tres intérpretes ofrecen esto a guisa de cuento moral ungidos por la inmoralidad que supone aceptar el menor mal como única opción del bien común. El timo revolucionario funciona como esperpento trepidante que reduce la dignidad por debajo de todo lo demás, y este teatro “nuevo” -y éste es mi mejor sentimiento- se afirma en la belleza de su forma apasionante.

UN FINAL A ESE PRINCIPIO

La Diosa Impura. Mariano Cruceta

Fue en otro teatro, valiente aunque escaso de medios (J.M. Rodero) donde terminamos un enero corroborador de lo grande en lo pequeño. El día 28, el aventurero del nuevo flamenco Mariano Cruceta, luchando con los medios insatisfactorios presentó “La Diosa Impura”, creación que a pesar de su sobriedad es como un encaje, un auténtico bordado en el que cada puntada exhibe un significado dentro del caleidoscopio de su naturalidad.

El flamenco, gitano por génesis, árabe por herencia, tiende al inmovilismo de lo popular (he ahí el jemplo de los folklores). Ya alguien se rasgó las vestiduras cuando el acompañamiento musical asaltó la soledad de la guitarra. Hoy, era necesario tener en cuenta la electrónica y Cruceta ha hecho de la misma una maestra del ritmo con la precisión que lo eléctrico le exige al movimiento. A la mesa Javier Godino en una labor entomológica.

Cruceta baila con sus pies prodigiosos, Caroline Planté, entronizada, hace de su guitarra la guitarra protagonista de esta especie de sueño en el aire que de la escena se expande al espacio.

Caroline Planté

Todo funciona incorporado: las imágenes de “El Rubio” (un canadiense hecho de tabaco, de vino, de guitarra y de Andalucía), el cante sensorial de Pedro Oregón, que entronca lo distinto con su memoria histórica, y los sutiles juegos de luces, sombras y sonido que han literalmente excavado Agustín Espinel y Javier Ustara.

La manzana, mordida por Eva, hace de la diosa una mujer; la tremenda mujer que vive en lugar de soñar aunque sueñe viviendo y, Mariano con su percusión exacta y sus brazos nos dibujó en el cerebro el fundamentalismo de la danza flamenca.

HABLANDO DE PUTAS LAS HAY RESPETUOSAS

La Puta Respetuosa Fotografía cedida por la RESAD

Este fue otro espectáculo sin marco dorado. La RESAD con sus alumnos montó su “Puta” arcangélica, libre, inocente y hermosa. Lo primero que hay que citar en esta prostituta, acosada precisamente por el poder corrupto de los políticos -que obviamente no eran sus hijos- es la dirección de Raquel Mesa, que se ha inventado otra puta en clave de comedia berlanguiana, lo que nos acercó al texto de Sartre de una manera mágica.

He visto muchas putas (incluso en francés) y ésta es la que, siendo más puta, podría compartir una comida con cualquier familia de buenas costumbres. Los actores asistidos por un entorno de decorado inteligente en momento de crisis (hay que condecorar a Aristeo Mora y Miguel Sepúlveda) nos ofrecen, en una barahúnda de movimiento, una lección de moral desde la inmoralidad de los presupuestos.

Lucía Barrado en La Puta Respetuosa. Foto cedida por la RESAD

Lucía Barrado ha conjugado absolutamente todas las notas de su papel dominante dadas al principio de este escrito, añadiéndoles sensualidad y entusiasmo. La actriz resultó de una perfección pocas veces exhibida en teatros adultos, lo que me inclina de nuevo a preguntarme porqué la RESAD,  que tanto esfuerzo y dinero nos cuesta, no es la plantación habitual de la que debe nutrirse nuestra escena profesional.

La Puta Respetuosa Foto cedida por la RESAD

Carlos Martos, ya un consagrado para mí al haberle disfrutado en papeles muy dispares. El veterano Carlos Olalla, que planta al “senador” una cara insustituible de elegancia proscrita tras la verdadera piel del político al uso. Elton Prince el negro elegíaco, el que ahora protagoniza tanta película de Hollywood que quiere descargarse de su terrible visceralidad blanca, incluso eligiéndo un presidente ya masacrado. Éste es el reparto. Todo funciona incluida la aparición de los dos guardaespaldas-policías (Maximiliano Ribas y Manuel Varela) que ayudan formidablemente al profundo aire cómico de esta preclara obra de Jean-Paul Sartre.

DULCE BOCADO PARA LOS MÁS PEQUEÑOS: LA CENICIENTA

Bastante tiempo -y eso tan infrecuente es celebrable- estuvo esta Cenicienta de Perrault-Prokofiev en el teatro Fernán Gómez celebrando las Navidades. La compañía La Mov dirijida por Víctor Jiménez se encargó, por primera vez, de una coreografía clásica en la que los diestros pinceles de Pepe Cerdá completarían la labor atística conjunta.

El reparto demostró su calidad técnica, empezando por la bella Luciana Croatto como protagonista, acompañada del buen partenaire de Mattia Furlán en el príncipe  y la expresividad y vis cómica del gran bailarín, travestido en la madrastra, Jonatan de Luis Mazagatos y las hermanastras Elena Gil y Elena Thomas. Creo que desde el punto de vista creartivo el papel del hada fue el menos consistente, aunque Lydia Carusso lo desempeñara con la misma efectividad.

Fotos de Alberto Rodrigálvarez

Los muchísimos niños gozaron, como yo, de la hora y cuarto de impecable actuación

DEL BLANCO AL NEGRO, NECROSIS EN LOS GRANDES TEATROS

LO CONTROVERTIDO DE JAROUSSKY

Hoy falté a mi devoción por el piano de Luis Fernando Pérez en su homenaje al maestro Vaskirov. Mi interés por la sesión de “lied” que en La Zarzuela programara el contratenor Philippe Jaroussky, con el acompañamiento del inmenso pianista Jérôme Ducros, me obligó a escuchar a éste después de muchas dudas- Luis Fernando estaba, al fin y al cabo, mucho más cerca de mis posibilidades.

El Teatro, desbordante a pesar del día más frío del año hasta el momento, daba una idea del entusiamo por esta voz infrecuente que ha llegado a la absoluta perfección de la naturalidad técnica. El cantante francés no tiene ningún problema para emitir su extraordinario falsete de sabio barítono.

Creo que estuvimos ante el contratenor más perfecto jamás existido, que fue calentando a la masa hasta convertir La Zarzuela en un flagrante apaluso que duró cinco regalos. Jaroussky, que podía por facilidad haber terminado con “La Reina de la Noche” de La Flauta, utilizó la “Nana” de Montsalvatge para enardecer a un público tan acostumbrado a lo comecial en el arte de ahora.

Nada que oponer al cantante, sin embargo la elección del programa me desilusionó desde el principio. En beneficio de las ventas, el genial artista de 30 años cambió el “chip” de su música, abandonando los mundos pretéritos para entrar en “la canción francesa del romanticismo”, la que sin duda brilla mucho más en las mejores voces femeninas despobladas de artificio.

De Berlioz a Hahn pasando por Chausson, Saint-Saëns, Fauré y algunos otros grandes representantes de la voz, sonorizó sin dudas -preciosamente acompañado por Ducros, que también se exhibió solo en dos ocasiones (Chaminade y Franck)- canciones que hemos oido por tan hermosos timbres como el de Victoria de los Ángeles o Elisabeth Schwarzkopf, y damos como flagrantes ejemplos la primera y la última: “L’Île Inconnue” del autor de la “Fantástica” y la célebre “Nana para dormir a un negrito” que cerrara el recital.

Creo que la honradez debe presidir este atrevimiento ante tamaño artista que para, como suele decirse, dar en el clavo no debe abandonar su repertorio. Todos lo recordamos, aún con lágrimas en los ojos, en su “Coronación de Poppea” no hace tanto en el Teatro Real, de la que Monteverdi se hubiese sentido orgulloso.

WORK IN BACKWARDS

Dados cita, una vez más, en el teatro de la calle de Jovellanos, un público joven en su mayoría y muy centrado en el baile acudió espectante al primer espectáculo de la Compañía Nacional de Danza, ya en su segunda fase bajo la dirección artística de José Carlos Martínez. Hablar de él se hace innecesario después de su inmenso liderazgo en La Garnier de París.

Cuatro fueron las coreografías presentadas por los excelentes bailarines que tantos años trabajaran con Duato, y cuatro los resultados bien distantes que puedo puntuar para marcar las diferencias.

“Extremely Close” de Alejandro Cerrudo con música fundamentalmente de Glass: 5. “Artifact II” de William Forsythe sobre La Partita 2 BWV 1004 en Re menor “Chacona” de J.S.Bach: 10. “Walking Mad” de Johan Inger, construyendo (yo diría que destruyendo) el “Bolero” de Ravel mezclado con Arvo Pärt y múltiples silencios: 4. “El Espectro de la Rosa” (que inmortalizó a Nijinski bailando la música de Weber) de Anjelin Preijocaj: 0.

Artifact II. Foto Marco

La primera coreografía, acompañada de un movimiento de planos escenográficos, no aportaba demasiado en su extendida repetición minimalista. El Forsythe-Bach daba otra vez su medida geométrica aparentemente elemental por sobria. La tercera se cargaba literalmente el avance sin misericordia de el “Bolero” olvidando su locura tiempo-espacial del final para acabar con un epílogo descompensador. Algunos momentos cómicos, introducidos por primera vez en esta coreografía sesualista, están a años luz del extraordinario entendimeinto que Béjart hizo de Ravel.

En cuanto al “Espectro de la Rosa” prefiero no hablar pues me pareció el desacato más tremendo a la lógica, al subrealismo incluso y a la belleza. ¿Quienes son esos toreros mal vestidos?

José Carlos saludó con la rapidez de un relámpago y la Compañía recibió sus merecidos aplausos.

LA PESADILLA DE UNA TARDE DE INVIERNO

Le Songe. Ballets de Monte-Carlo

Los Ballets de Monte-Carlo, buena escuela heredera de los rusos, exhibieron su impecable baile por parte de la totalidad de la compañía formada por jóvenes y maduros hasta de 40 años. Coreógrafo de esta adaptación de “El Sueño de una Noche de Verano” de Shakespeare (su obra más imaginativa y hechicera) estuvo a cargo de Jean-Christophe Maillot su director titular.

La música de Mendelssohn se incorpora -otra vez gratuitamente- a otras creaciones y silencios dando un resultado final confuso por su geometría.

Los Teatros del Canal dieron cabida en su “Sala Roja” a este coreógrafo que prometo no volver a soportar a pesar de su muchos adeptos. Ya conozco de él lo suficiente. Dormir, soñar, ese hubiese sido el aprovechamiento de estas dos horas largas de aburrimiento bien bailado . No era ni verano, ni de noche, ni nos hizo soñar con hadas ni con gnomos.

Una escena que en los momento fijos producía auténticas bellezas fotográficas, nos permite felicitar a  Ernest Pignon -Ernest, ayudado por las luces de Dominique Drillot. No puedo decir más, esto es todo sobre “Le Songe”.

VÍCTOR M. BURELL

He estado fundamentalmente vago, casi paralizado por las duchas de agua helada de nuestra política con gusanos. El arte, disminuida su importancia, ha sido sin embargo el que me ha permitido seguir viviendo, en especial por la voces -tan protagonistas de la música- como para recordarnos con ahinco nuestra comunicación de humanos, aún en estos terribles momentos en que dudamos incluso de serlo.

Creo que no huelo a afiliado a ningún partido. Durante la responsabilización del PSOE no he cejado en mis críticas, articulando la falta tradicional de claridad con la condición de títeres manejados por “la gran maruja alemana”. A Zapatero se le iba poniendo, lentamente, cara de juguete; pero tenemos que ser serios y no utilizarlo de w.c. para tirar las porquerías y después de la cadena. No es justo.

A cada uno lo suyo, y yo permanecía frío mientras la calle Génova hervía de entusiasmo. Aún en ese momento de traca final se nos seguía engañando: vamos a subir solo las pensiones, no los impuestos. Luego de una semana de aparente reflexión (en España nunca se reflexiona demasiado) las noticias son muy otras.

Mariano Rajoy, Ana Botella y Esperanza Aguirre

La principal injusticia (que copio al pie de la letra, para tener informados a los que tienen fama de tragaderas, de cobardes y aún de idiotas) se refiere a la Iglesia Católica en un país constitucionalmente laico.

No tenemos más que dar un superficial repaso al recien nombrado gobierno para darnos cuenta de que las estructuras católicas se multiplican como piojos empezando por el OPUS, y así en un paso atrás ideológico de tres décadas el recuerdo del Valle de los Caidos huele a milagro: Paco de nuevo resucitado.

Para más inri, el ministro de economía procede de una banca demostradamente castrante, lo que supone el principal gusano de nuestro “cabrales” verde por fuera y por dentro, y el de defensa -por ejemplo- comerciaba hasta el momento con bombas racimo que vendía a Gadafi. ¿Habeís visto fotos (de los niños que quedan) desarticuladas, destruidas practicamente sus posibilidades de futuro?

Paso por fin a ilustrar esta determinación del gobierno con una imagen (no demasiado trucada) de Rouco Varela con la desfachatez de su gesto, que como el mal aliento echa literalmente de espaldas. Díos si es que existe -(dada la realidad la existencia del Supremo se me hace cada vez más imposible)- nos coja confesados.

Al igual que ocurría en la España nacionalcatólica de Franco, la Iglesia recibirá hasta finales de 2013 sus habituales 5.000 millones de euros dotándosele además de un “aguinaldo” extra de 13.000.000 millones de euros mensuales durante los dos próximos años (página 42 del archivo del BOE)

Además, la Iglesia Católica también se librará de la subida del Impuesto de Bienes e Inmuebles (IBI) anunciada por el Ejecutivo del PP, ya que su patrimonio no está sujeto a este gravamen. La Ley de las Haciendas Locales estipula que la Iglesia está exenta de pagar el IBI en virtud de los Acuerdos entre el Estado y la Santa Sede de 1979.

Mientras tanto, nuestros jóvenes científicos tienen que emigrar porque, si hasta ahora morían de hambre con sus contratos de becarios, ¿qué será a partir de aquí en que el gobierno, que prometió no recortar ni subir impuestos, ha recortado el gasto en I+D.?

Para justificar la inyección de dinero de todos en las arcas de una confesión religiosa determinada, el nacionalcatolicismo se escuda en su labor social… pagada con nuestro dinero y de la que se aprovechan para hacer negocio:

• Los hospitales y colegios PRIVADOS de la Iglesia no ahorran dinero al estado. Son el negocio del siglo. Se supone que les tenemos que dar las gracias por hacerlos ricos cuando las administraciones autonómicas desvían pacientes a los hospitales privados y les pagan la factura, o alumnos a los colegios concertados. Cada día de convalecencia en una habitación de un hospital gestionado por la Iglesia nos cuesta una fortuna, igual que cada silla ocupada por alumnos de colegios.
• Los horfanatos tendrían que dejar de ser propiedad de la Iglesia (pagados sin embargo con fondos públicos en su mantenimiento) y pasando a ser gestionados por el estado; pues adeapoyada en fenómenos religiosos que, analizados racionalmente, pueden constituir incluso supercherías. Además de evitar que los niños sufran abusos físicos (problema bien conocido), evitar también que se les adoctrine desde pequeños por obligación en la religión católica. Los trabajadores de los horfanatos, creándose empleo, tendrían la formación profesional y académica que se necesita, no apoyada en fenómenos religiosos que analizamos racionalmente, pueden constituir incluso supercherías.
• Los albergues de caridad y cocinas económicas deberían ser sustituidos por un sistema que emplee ese dinero en algo que procure y se ocupe de que las personas que acuden a esas instituciones no dependan exactamente de la caridad, pudiéndose valer por si mismos en la sociedad encontrando un empleo, que se conseguiría sustituyendo curas y monjas por trabajadores sociales cualificados, en el presente bastante en paro.

Pelléas et Mélisande

LA VOZ HUMANA UN MILAGRO TODAVÍA

De rebajas nada, solo en el dragón de El Corte Inglés. Los impuestos suben menos para Benedicto XVI “and company”, y lo que disfrutamos como arte hasta acabarse el año fue todo de gran categoría.

El hombre, personaje que se hunde y hunde en la miseria multiplicada por las deformaciones cada vez más constatables, es el mismo que, cantando, recitando o conversando, te aparta de pensar en encontrar otros mundos y otros seres. Él es suficiente. De ahí el éxito de la ciencia ficción que coloca a los alienígenas en lugares aún más nefastos.

Debido a mi retraso haré un repaso rápido de las fantásticas piezas que se me han ido acumulando  y en las cuales la voz es protagonista.

He dejado atrás dos producciones memorables presentadas en el Teatro Real para ponernos a bien con la ópera. PELLÉAS ET MÉLISANDE de Debussy y LADY MACBETH DE MTSENSK de Shostakóvich han dicho adiós al año. Lo primero que quiero afirmar es que se nos puso ante dos fuertes de la lírica mundial, la primera rompedora de las tradiciones de su momento, la última moderna y fundamental a pesar de algunas detracciones de la vanguardia.

Pelléas et Mélisande

Como de gozar es de lo que se trata, asistimos a un goce sin barreras empezando por las versiones musicales de Sylvain Cambreling y Hartmut Haenchen respectivamente, para terminar con las consecuciones escénicas de Robert Wilson sobre decorado de Giuseppe Frigeni para el francés y la fantasía espacialmente imaginativa de Martin Kusej y M. Zehetgruber para el ruso.

Citando a los intérpretes me sentiré finalmente exonerado de responsabilidades. Soberbios Camilla Tilling (Mélisande), Yan Beuron (Pelléas), Eva-María Westbroek (Katerine), Michael König (Sergéi) y Ludovit Ludha (Zinovi).

Fantástica nuestra Sinfónica y lo mismo podemos afirmar del Coro.

Lady Macbeth

IBERMÚSICA Y LA VOZ

Esa-Pecca Salonen. Fotografía de Clive Barda

The Philharmonia conducida por Esa-Pekka Salonen continuó en el Auditorio Nacional el triunfo de las voces. Una primera parte, estrictamente musical con el solista perfecto de piano Yefim Bronfman, nos regalaró un fragante PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO de Debussy y un excitante CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA Nº 3 de Bartók, compositor con el que seguiría, tras el descanso, con su ópera de juventud en un acto El CASTILLO DEL DUQUE BARBAZUL.

Una entrada, narrada por Pilar Jurado tuvo como sucesores la pareja de intérpretes de Michelle Dyoung (Judit) y Sir John Tomlinson, un barítono maduro en todos los sentidos. La palabra en húngaro (magiar) ha sido tratada con ese don maravilloso que nos personaliza a los humanos diferenciándonos de los que aparecen pariendo sin esfuerzo, en lugar de hablar, sus experiencias políticas vacias. ¿Qué es un discurso político si no un ridículo constatable en el tiempo?

LO ITALIANO EN LA ZARZUELA

Con La CANCIÓN DEL OLVIDO y el DÚO DE LA AFRICANA el lirismo daba paso a Serrano y Fernández Caballero a través de dos partituras memorables y una semi escenificación que el Auditorio Nacional -haciendo honor a nuestro género- nos presentaba de la mano de Pascual Osa.

La impenitente batuta, creadora de la Orquesta y Coro Filarmonía, sigue luchando por la imposición de nuestra música, que redescubre el amor del oyente frente a las singularidades y valores de la zarzuela. Su aparición siempre es éxito, porque conocida por Osa la materia es desarrollada con todo lo que tiene de original frente a la música europea de la época, aunque -como afirma Ruiz Tarazona- no renuncie al italianismo imperante en aquel momento.

Nuria García y José Manuel Montero. Foto de N. García

Aquí me puede además el cariño de la próximidad, no teniendo que hacer ningún esfuerzo para solazarme. Nuria García va alcanzando sus etapas trabajadas con ardor, Luis Álvarez ha sido (y sigue siendo) un fenómeno para el género y José Manuel Montero, mi admirado tenor, teniendo en cuenta los paises en que canta mucho más que en el nuestro, me conduce a pensar que siempre escatimamos (aún a los grandes) hasta que el cachet deje -por nombre- pingües beneficios a los agentes. Las agencias funcionan corroidas por el interés de una parte y el quietismo profesional por la otra.

SE CIERRA EL TELÓN 2011 EN MIRANDA DE EBRO

Aunque nada tenga que ver con la voz no puedo aceptar mi olvido del 22 de noviembre en Caja Burgos, tocando uno de los grandes pianistas del presente. A Luis Fernando Pérez, por los motivos ya apuntados, hay que oirle en Francia, Hungría, Canadá … Aquí toca mucho menos de lo que debiere por la falta de talento e interés de quien contrata o ayuda a contratar.

La España politico-cultural es así y no hay que darle más vueltas; ¿o sí hay que dárselas hasta marear la perdiz?

El pianista madrileño no se anda por las ramas. Emergió en Burgos, con un piano casi detestable, con ISOLDE LIBESTOD de Wagner-Liszt, la RAPSODIA ESPAÑOLA del último y estractos de la SUITE IBERIA de Albéniz para que hiciésemos boca.

Agua se nos hizo ésta con tanto acierto de estructura, tanta variedad tímbrica y tanta elegancia de concepto. Su “Iberia” es hoy inaproximable.

¿Tendremos que poner, al lado de Rajoy, Aguirre, Botella y Rouco un rosario de nombres de agentes y contratadores de este país, tan yermo como el formidable personaje lorquiano? Lo que si nos puede ocurrir es que, dada la catolicidad de la nueva alcaldesa por decreto, tengamos al Sumo Pontífice con frecuencia en nuestra villa y corte, invitado precisamente por nosotros, los pecadores defensores jubilosos del pecado de la carne.

Hablando con Luis Fernando en un descanso. Foto de Myriam Flórez.

VÍCTOR M. BURELL

“Cada vez resulta más evidente lo poco que significamos los seres humanos para los seres humanos, ¡qué paradoja!”

En Plata

Traspasando un otoño suave visitado por Madrid en Danza, noviembre parecía presagiar un reposo en el ya dilatado momento de la crisis. El baile es un fenómeno universal sin fronteras en el que el entendimiento se expande ampliando, a través de los cuerpos, eso que podríamos llamar alma en silencio.

Muchas veces hemos encontrado cierta paz en el movimiento, en la especulación del espacio conquistado por el sexo y aún la inocencia: lo que los hombres somos en el claroscuro de nuestra geografía. Esta vez no. Nos pudo el miedo, el recalcitrante pecado del egoismo “reinante”, nunca mejor dicho, el desamparo del hombre para el hombre, que parece otorgarnos más circo aún que pan para que sintamos menos los privilegios de la injusticia.

Los Teatros de El Canal (Salas Roja y Verde), La Cuarta Pared, La Abadía y el colosalismo de El Conde Duque -ya terminadas sus obras- fueron los escenarios que visité durante este ciclo; pero no constituirán  más allá de un pequeño prólogo en lo que el crítico debe decir, puesto que no existe nada fuera del comportamiento político-económico en el que estamos sumergidos; prácticamente asfixiados.

“Al menos dos caras” de Sharon Fridman. Foto de Jesús Robisco

¿Qué es ahora el arte sino un retal en rebajas?, ¿un pequeño premio de consolación para engañarnos? Engañarnos es la fórmula que impera en las campañas que alimentan el voto, ya de por sí limitado a un sistema reservado a los dos partidos que han venido engañándonos desde la discutible Constitución, que se burla incumpliéndose de manera más fácil que reformándola.

Quitarse de encima la estricta crítica de la danza, dando únicamente matrícula a dos espectáculos, nos exonera de mucha literatura para poder hablar de lo que de verdad nos preocupa corroborando nuestra certidumbre de engañados.

LA DANZA

La,la,la Human Steps Foto de Deen van Meer

“Al menos dos caras” fue la joya de la muestra, siendo la estructura escenográfica un auténtico tercer intérprete. La coreografía de Sharon Fridman un todo fascinante en el que dos bailarines apuran el peligro, para configurar un todo emocional que nos obliga a participar de forma directamente electrizante.

“New work by Eduard Lock” de La,La,La Human Steps (Canadá) fue imposible de ir más allá de la técnica acelerada y “perfecta” que posiciona esta coreografía en puntas en el colmo de un lenguaje clásico. Dido y Eneas y Orfeo y Euridice aparecen como extremos del amor, tejido sobre una partitura en directo de Gavin Briars, interpretada por piano, chelo, viola y saxo. La contemporaneidad emerge aquí de lo clásico como un lenguaje único en el panorama dancístico del momento.

“En plata”, cuyos artífices son Antonio Pérez y David Sánchez, marcó un hito en la danza española, lo mismo que Chevi Muraday lo hace en la contemporánea con “Punto Ciego”, ese lugar de la retina que muestra la incapacidad de ver incluso lo que tenemos ante nosotros mismos.

Los dos espectáculos nos pusieron muy a bien con nuestra propia danza. Los primeros compactaron algo de una belleza extendida desde el movimiento al vestuario y de la luz al sentido artístico, que surgiera de un primer experimento reedificado. En cuanto a Chevi, que utiliza con holgura la palabra, yo le aconsejaría una integración más elaborada de la misma, ya que ésta rompe en ocasiones la situación escénica.

PRINCIPIO Y FIN DE MADRID EN DANZA

DAIRAKUDAKAN (c) Junichi Matsuda

“La natura delle cose”. Mientras que la compñaía de Virgilio Sieni cerró para mi, en la sala pequeña de La Abadía, la danza esta temporada (la mujer pasando por tres edades movida por cuatro bailarines masculinos), el ballet japonés “Paradise in a Jar Odyssey 2001” de Kumorato Mukay, abría la Sala Verde de los teatros de El Canal.

En “Paradise….” acompañamos a una familia muy particular en una gran sucesión de escenas donde se articulaban el amor y el drama sumergidos en el “butoh”, desafiante de un lenguaje corporal único y sencillo a través de un desnudo, prácticamente total, rodeado de una simplicidad que no deja de ser difinitiva e impactante.

A lo largo de 15 días se exhibieron los 25 espectáculos de los cuales presencié la media docena reseñada.

VOLVIENDO A LOS DESASTRES QUE NOS ASOLAN O EL CORAZÓN DE LA MATERIA

En ninguna institución podemos ya confiar. Haber sido de izquierdas hasta el momento no anima para el futuro, perdidos como estamos en el laberinto del engaño.

Creo que desde el mismo momento en que vivimos al fin la marcha de Franco con los pies para delante, UCD repartió España en 17 factorias, alimentadas por una masa de políticos que se encontrarían en su agosto desde aquel noviembre esperanzador. De ahí partió la especulación que multiplicó por tantos a los privilegiados.

Felipe González que significó el aldabonazo de la esperanza, hoy es un millonario, íntimo también del rey de Marruecos, donde hace parada y fonda fraternizando con uno de los grandes de la vergüenza política del siglo.

Algunos confirman su falta de moral en una dirección mientras que los otros lo hacen en otra. No tenemos más que echar un vistazo a la información de la Comunidad Valenciana, donde desde Zaplana han venido ocurriendo escándalos políticos, hasta el presente, para llenar las cárceles sin que jamás llegue la sangre al río.

Al margen de irregularidades como para colmar una biblioteca, los sueldos de los políticos desconocen la crisis, y mientras hasta aquí hemos soportado al PSOE en directo, ha llegado el momento de que el PP (desaparecido Rajoy desde su designación) dejen hirviendo sus ocultaciones, incluidas las terribles tensiones del partido.

En tiempos, encadenados a Bush el impresentable, sembramos la muerte en Irak en aras del petróleo, mientras magnificábamos un armamento nuclear reconocidamente inexistente. ¿Cuántos inocentes han muerto con este horrible pretexto? Mentiras, mentiras para cuadrar las cuentas que, como el euro (impuesto por Alemania) nos ha llevado directamente a la bancarrota.

LAS NAVIDADES SE APROXIMAN Y LOS ESCÁNDALOS SE SUCEDEN

La banca internacional manda. Los políticos recibido su poder esperan con los pantalones bajados.

Hoy ya no se nos ocultan ciertos comportamientos, por ejemplo el de Urdangarín (duque de Palma) con los muchísimos millones desaparecidos, como tampoco nos cuadra lo que ha significado la boda de la Infanta Elena, oscura desde su celebración, con las exigencias últimas de la separación de su excónyuge.

Dinero, dinero, dinero. El dinero hierve en enormes cantidades sin justificarse y ni siquiera estremecer a una ciudadanía a la que se le  exigen enormes sacrificios para responsabilizarse de la crisis que le asfixia.

Tras aclarar tantas cosas tristes, dejando aún muchas más que recorren nuestra escala política, solamente nos queda esperar un gesto generoso de nuestro monarca, que en su discurso de fin de año debería renunciar a su regalo de los más de 8 millones de euros que percibe cada Navidad, sin serle en absoluto necesarios para la actual economía de la Corona, enormemente saneada a lo ancho de los muchos años de Jefatura del Estado.

… y aún nos esperan las privatizaciones que vendrán de la derecha, mientras que tantas Comunidades Autónomas (Galicia, Castilla-León, Comunidad Valenciana, …) se adscriben al fraude sin despejar la incógnita de su oscurantismo.

Mientras Hacienda no perdona al pueblo, ni siquiera en lo que podrían denominarse limosnas en las declaraciones anémicas, se inhibe de las irregularidades que saltan inevitablemente a la información manejada, para ser ocultadas enseguida por el sistema que ha terminado involucrando a los tres poderes.

Entre tanto también el arte, nuestro arte, sufre de los amiguismos,  pudiendo comprobarse que los mejores luchan denodadamente con la publicitación de lo que conviene a algunos, afectando a todos los ramos: cantantes, pianistas, directores, comediógrafos, …

Y la Iglesia sigue exigiendo, con su perfil soberano, que su Dios nos coja confesados aunque el País aparezca como láico.

El Valle de los Caidos

VÍCTOR M. BURELL

Teatro Real

Creo que aquí empezarán a desaparecer las demoras. Los vacios de información, a medida que la salud se estabilice, se diluirán por la asitencai regular a los diversos acontecimientos.

Quererse a sí mismo es la primera norma para querer a los demás, y por eso, al fin, he dedicado mucho tiempo a mi persona en un momento en que la edad requiere preocuparse por un ejercicio mental que nos mantenga sano el juicio y aún el valor de hacerlo público que, en este pulso contra la estafa generalizada, no es cosa fácil.

Nos rodean la hipocresía y el engaño. Incluso los incidentes en “la más alta esfera del país”, con nuestra velada información se silencian poniendo tierra por medio.

Dentro de poco tendremos una alcaldesa de Madrid impuesta tras unas recientísimas elecciones municipales, invalidadas así “legalmente”. Nuestras diferencias de salario mínimo (el evidentemente más bajo de Europa Unida) están reducidas a mucho menos de la mitad de otros países, mientras que, para nuestra vergüenza (la mayoría política no la tiene), nuestros representantes cobran lo mismo que los de los paises más desarrollados, ofreciendo además los servicios peores y más caros.

Teatro de Madrid

De todo tengo datos fehacientes, que no exhibo por no aburrir dado que el contenido de mi humilde página pertenece al mundo del arte, que también se tambalea. Se ha olvidado el axioma de que a más cultura menos cárceles, y nuestros chafarrineros políticos hacen encaje de bolillos jugando con las palabras hasta hacerlas incomprensibles, para lo que son especialmente hábiles.

Hay que leer artículos críticos (como los de Pérez Reverte) que nos ponen el culo al aire para que desfilemos “orgullosos” un poquito tapados por nuestra bandera. Hemos tenido que ver como en una junta general de accionistas del Banco de Santander, el robo de la banca se manifestaba claro a través de la palabra precisa de un accionista que defendía el movimiento 15M, único justo y de alcance -que espero continúe-, como acontecimiento más importante ocurrido tras la muerte de D. Paco con Pinochet y Fraga, entre otros muchos, como miembros de aquella procesión para la mayoría festiva.

Bueno, en cuanto a mi campo campo, creo que se sigue tirando el dinero en espectáculos inválidos. El Teatro de Madrid (cuna del baile) sigue deteriorándose cerrado sin importarle un bledo a nuestro acomodatício Ayuntamiento, y la programación pública mantiene todavía cargos solo explicables desde el amiguismo, para los que el día 20 dios, con minúscula, nos coja confesados.

Antonio Najarro / José-Carlos Martínez

Como digo en la frase inicial, quisiera disfrutar del baile, así que a ver si me dejan. Mi esperanza está puesta en Najarro y José Carlos Martínez, que al fin han abierto las puertas de comunicación de ambas Compañías para que corra ese aire al que nunca se le permitió transitar de baile a baile.

LAS TRES DIANAS

ELEKTRA de Sófocles, fue convertida en soberbio libreto de ópera por Hugo von Hofmannsthal, el colaborador habitual de Richard Strauss. El Teatro Real la ha puesto en escena en el mes de octubre en una nueva producción del San Carlo de Nápoles, dejándonos conmovidos, como tan pocas veces nos ocurre desde que nuestro Real se reabriese hace ya una docena de años.

La significación de la tragedia sobrepasa los límites de la ambición hasta llegar al parricidio que desentraña el furor de las pesadillas. La protagonista es una muestra del rencor acumulado, y los hechos desencadenan un auténtico campo de muertos.

Elektra

La indiscutibilidad de la obra de Strauss luce aquí la cobertura de una Orquesta sorprendente conducida por Semyon Bichkov, y el colosal reparto que la completa, tanto en voces como en el plano actoral dirijido por el ya fallecido Klaus Michael Groüber. La escenografía y figurines de Anselm Kiefer ponían punto final al acontecimiento cuyos protagonistas fueron: Rosalind Plowright (Klitemnestra), Deborah Polaski (Elektra), Ricarda Merbeth (Crisotemis), Christ Merritt (Egisto) y Samuel Youn (Orestes)

SEGUNDA DIANA

El Museo del Romanticismo de la calle San Mateo, ha sido el motivo de mi segunda satisfacción. Tuve la suerte de abrir, con una charla de animadísima asistencia, un concierto que relacionaba España y Rusia. Un viaje al fonde del Alma testimonió el trabajo de Ana Häsler y Enrique Bernaldo de Quirós, a los que ya conozco como pareja invertebrada de mezzo y piano. En esta ocasión ponían de relieve, con un programa espectacular en lo profundo y en lo virtuoso, su indagación en el campo de las canciones.

España y Rusia se aproximan por medio del arte y urden, un poco en contra de la razón gala, un derroche de fantasía basadas en la inmateria, alma huidiza que sorprende siempre al lado de la muerte y del más allá.

Desde las soberbias Canciones y Danzas de la Muerte, de Mussorgsky-Kutuzov, Ana y Enrique recorrieron el arco de lo español (Albéniz, Fernádez Arbós y Granados) para dejarnos, además del drama, ese sabor de boca de la tonadilla y aún las “romanzas de salón”, que tantas veces alumbrarían locales de la coquetería del presente; escenario único para estos encuentros.

Ana Häsler (mezzo soprano) y Enrique Bernaldo de Quirós (pianista)

Quiero terminar haciendo una observación para que la directora del Museo aleccione a su portero mayor de tarde, que seguro ha interpretado mal sus órdenes. El tal empleado me hizo atravesar un calvario, dada mi minusvalía, apesar de mis explicaciones extensas y con los intérpretes ya dentro con la sencilla trasposición de una puerta entre San Mateo y Beneficencia. Si hay algo peor que un empleado irrespetuoso es un empleado deshumanizado; eso siempre es un peligro. Deseo que esto trascienda ya que, según las indicaciones telefónicas, abandoné mi taxi en la puerta principal, única además hoy accesible por obras. Infinitas gracias del firmante.

UN TEATRO CON FLECHAZO EN EL CENTRO

COMBATE DE NEGRO Y DE PERROS, una deuda de hace tiempo.

La producción de la Compañía Joven de Réplika Teatro ya no me sorprende. En esta ocasión ponía entre rejas (nunca mejor dicho) una pieza difícil donde las haya de Bernard-Marie Koltès. La lectura se hizo en mi casa pareciéndome muy floja la traducción. Yo conocía el texto, puesto a lo grande por un teatro nacional y por lo mismo aconsejé revisarla.

Combate de Negro y de Perros. Cía.Joven de Réplika Teatro

Mikolak Bielski y Borja Manero se hicieron cargo de la reedificación, así como de la dirección  de “combate”, cuyas dos horas de duración se mantuvieron sin fisuras.

Con unos medios mucho más ajustados, la dirección me pareció más convincente que la de -creo que Nieva- perdida un poco en su grandiosidad innecesaria.

Koltès demuestra que la diferencia de razas es una cosa aún no resuelta; pero que la diferencia entre hombre y hombre no se resolverá jamás; el odio supera la unión, como ésta no sea coyuntural y práctica para un fin sobre todo económico.

Una empresa de obras públicas europeas en África explota, como siempre ha sucedido históricamente, a sus habitantes negros que aquí se resumen en alguien que exige los derechos de solamente la recuperación de un cadaver ocultado.

Combate de Negro y de Perros Cía.Joven de Réplika Teatro

Todo funciona, en la doble jaula, como defensa y como límite, como funcionan las cosas engrasadas hasta que la aparición de los “otros”, los oprimidos o una mujer, descomponen la precisión del reloj. Los tres blancos son solo un blanco fragmentado, un occidental atacado por la caida del sol.

Lo intolerable de nuestros modos de conquista se prolonga en el dominio capitalista que legitima lo injusto -lo ilegítimo- hasta llegar a parecernos defendible.

El negro Alboury denuncia lo intolerable de nuestras fuerzas de dominio; pero el oprimido no tiene que elegir si no exigir simplemente para poder seguir siendo un hombre.

Pasamos al ámbito oscuro seguramente para poder vivir, pues la verdad es que “no es posible hacerlo a plena luz”.

Palacio Real

VÍCTOR M. BURELL

Escribo en el día de San Miguel, ya es otoño, pero es sabido que el gesto amable de regalar su capa nos incitara a pensar que restaura el verano por unos días. El veranillo de San Miguel dice adiós al sol torrido que se oculta cansado y promueve el fin de una estación que, en 2011, se mostró caprichosa y variable.

Frío, lluvia, aire y no demasiado calor intermitente saludaron los viajes, que de junio a septiembre exigen las muestras que decoran los nombres de algunos lugares que voy reduciendo en número, un poco por el cansancio de la edad y otro poco por los escasos deseos de renovación de los programas.

Granada, San Sebastián y, aún este año por primera vez Alicante, se han borrado de mi agenda, el último no por su contenido (único contemporáneo) sino por estrictos motivos personales: la salud.

Bien es verdad que también el amor ha intervenido en la elección de los supérstites: Segovia luchando inteligentemente con el escasísimo presupuesto de que dispone; Santander recortado hasta la saciedad precisamente en el cumplimiento de sus 60 años, en el que incluso ha desaparecido el programa-libro general contenedor de tanta información y análisis y Altea, en una sustanciosa resurrección de algo -en lo que tanto intervine- que tuvo el brillo y la personalidad que Josep Vicent (actual director del Grupo de Percusión de Amsterdam y La Joven Orquesta Mundial) concede a todas sus experiencias; experimentos formidables que demuestran lo que puede, o pudo, hacerse (no olvido la crisis provocada), con tanto dinero desperdiciado en el campo del espectáculo.

Música Reservata de Barcelona

Así pues, para ponerme al día de una sustanciosa parada, de la que las vacaciones y los médicos han tenido la culpa, abandono mi destino de testigo ambulante para volver a la calma sistemática de un Madrid que me reclama, “sin calma”, abreviando los días de descanso para dar paso a la locura de sus músicas, su baile y su teatro.

Levantaré mi trasero del asiento para perseguir pues el descubrimiento de la gloria, tan pocas veces alcanzada,  decepcionándome en muchas ocasiones y mostrándome triunfador en algunas pocas coronadas por el descubrimiento.

Madrid hierve, o hervirá en propuestas lo mismo que yo en esperanzas aunque las cosas no hayan cambiado sustanciosamente. Pons, Mortier… y no quiero citar más nombres para no hacerme más odioso a los ojos de los actuales constructores de imperios, que en noviembre pueden moverse quizás hacia peor.

Lo cierto es que la doctrina instaurada del bipartidismo político no está dando resultados, llevándonos de la ceca a la meca cuando la meca es la ceca y viceversa. Hacer un análisis lúcido de esta ratonera llevaría mucho tiempo, siendo Agatha Christie la única que podría dar luz a tanto despropósito.

Mi frase, como siempre encabezando el artículo, conduce a muy poco; pero estimo que mi conducta debe de ser ésta: luchar desde unas páginas que a mi juicio son casi siempre demasiado asépticas, como si la cultura fuera el adorno de un pastel que no necesariamente alcanzó su dulzura.

Pero la fuerza no la dan los ideólogos marchitos sino los seguidores, esos que llenan (más por triste coba que por curiosidad) por ejemplo la presentación del libro neutro de un político en alza, mientras que a la lectura de un poeta casi siempre asisten aburridos jubilados -y no es que me parezca mal- por que el acto es gratuito. No quiero que esta crítica quede en la sombra, aclaro que me he referido a las Memorias de Rajoy, casi seguro futuro presidente del gobierno.

A parte de a los restos del verano debo saludar desde aquí dos propuestas anteriores a la vorágine de octubre; una decepcionante,  la otra interesantísima. Ambas prologaron la temporada 11-12, aparecidas respectivamente en el Teatro Real y Réplica Teatro, que volverían a ratificar mi temor por lo instaurado y mi esperanza en lo nuevo.

LOS MIL ARCOS DE SEGOVIA

En 1975 se empaqueta una efeméride que va a recorrer el mundo, porque su julio es el último verano con el prestigio del cambio asomando ya sus tímidas orejas. En noviembre (después del primer festival segoviano), llegarón el frío y la esperanza detrás de un catafalco que va abriendo fronteras a su paso, e íbamos a dividirnos dentro de la igualdad que nos proclama distintos.

Segovia esta ahí, aparentemente dando la espalda a los progresos que parecen no considerar lo que ella tiene de antigedad preclara; pero Segovia ha sabido dar el salto a través de su interés, siempre vivo, por la música y aún la juventud heredera de toda su gloria.

Los díass 25 a 29 de julio me han sugerido dar a esta ciudad sin límites el título de sabia, puesto que ha sabido salvar las vértebras dañadas de su debilidad económica para construir una sólida columna con la música más grande, no en número de sus intérpretes sino en la profundidad de su contenido. Elegir es el misterio y saber hacerlo la belleza de los resultados.

Il Suonar Parlante

El Patio de El Alcázar y sobre todo San Juan de los Caballeros almacenaron, como siempre, el esplendor de ciertas partituras. De todo lo escuchado vino a decepcionarme lo que sobre el papel parecía más firme: Los Solistas de San Petersburgo (con Haydn, Mozart, Rossini, Grieg, Tchaikovsky y Bartók) no traspasarían el límite de lo aceptable, haciéndose lecturas bastante planas de esa diversidad de obras, demasiado conocidas como para no percibir las diferencias de color con otras interpretaciones de referencia.

El otro día de El Alcázar estuvo ocupado por UriCaine, que con su música nueva para Las lamentaciones de Jeremías sobre la destrucción de Jerusalem, conmovieron más por la ejemplar ejecución de sus solistas que por la música minimal que ha buscado su hueco en la contemporaneidad más comercial.

Carmen Linares, con una cierta desaproximación de la genialidad de sus compañeras, completaba el elenco de las formidables Barbara Walker (vocalista de Gospel) y Cristina Zavalloni (soprano de tinte clásico con posibilidades interpretativas tan eclécticas como la propia música realizada por Caine al piano, con Il Suonar Parlante como conjunto y el gran saxo bajo Achille Succi. El multilinguismo (hebreo, inglés y español) aporta además la versatilidad de Caine, que llega en Las lamentaciones a un último extremo.

En San Juan tuvieron lugar tres joyas de cámara: Música Reservata de Barcelona, con el soberbio Oficio de difuntos de Tomás Luis de Victoria; Il Suonar Parlante en Una velada con los Bach y Vittorio Ghielmi (viola de gamba) y Luca Pianca (laúd) en una noche, incalificable por hermosa, con Marais, J. Gallot, Visey y Forqueray, además del Livre de Pardessus de Madame La Rochette, (Nantes 1758).

Finalizamos, en el mismo escenario de perfecta acústica, con un programa de canciones infrecuentes: De España a Rusia: un viaje al fondo del alma, emoción en carne viva debida a la mezzo Ana Häsler y el soberbio piano de Enrique Bernaldo de Quirós, y una tarde de piano virtuosista en los dedos de Silvia Torán ofreciendo un homenaje a Liszt en el bicentenario de su nacimiento.

Todo fue satisfactorio, hasta el punto de poder nominar a Segovia “paraiso del pequeño formato”. Torán alcanzó en su monográfico Liszt, con la Sonata en si menor como epílogo, la integración del virtuosismo relacionado con una serie de conciertos radiográficos de músicas esenciales donde las hubiere. Victoria y Bach el Grande, además de su hijo Carl Philipp Emmanuel, completaron las espectativas de los exigentísimos, proporcionándonos además el orgullo de lo nacional con Música Reservata de Barcelona, que nada desmereció de la genialidad prodigada por el soberbio Il Suonar (un cuarteto italiano de violas de gamba, soprano y clavecín) que desvelaron la universalidad del Arte de la fuga, profecía atípica, sin instrumento elegido, que dio lugar al paraiso posible de solistas y conjuntos que, como en este caso, reciclan las esencias dándonos una nueva lectura de lo eterno.

Volver la cabeza a las danzas europeas, dando un recorrido por Francia, España y Portugal de la mano de Ghielmi y Pianca, es perder el significado de la medida. Si acostumbramos a calificar con diez los grandes fenómenos, aquí nos tenemos que saltar la costumbre. El programa alcanzó el infinito del éxtasis en muchos momentos hasta proponer la tarde como la mejor recordada en mucho tiempo.

Ghielmi y Pianca / De España a Rusia

Y para terminar, otro mundo muy diferente, el del romanticismo ruso del XIX, con algunos añadidos españoles contemporáneos, de canciones de Montsalvatge, Ortega, Lorca, García Leoz y Albéniz,  a las que se añadió la “Cancioncilla” de Bowles (en el que Häsler es especialista). Los platos fuertes, sin menospreciar estos aciertos vocales, fueron las Canciones y Danzas de la Muerte de Mussorgsky-Kutuzov, en las que la entente de esta pareja dio la medida de su espléndido trabajo, y la electrizante y dificultuosísima Sonata para piano n 2, OP. 36 en si bemol menor de Rachmaninov, donde Enrique Bernaldo de Quirós volvió a demostrar, por enésima vez, sus cualidades: seguridad técnica, brillo, fraseo hipnótico e interpretación sobria dentro del marco del gran romanticismo trascendente.

Voz, piano y elegancia presencial de una pareja que persigo muy razonablemente.

SANTANDER O LA PESADILLA DE LA SIN RAZÓN

Que al FIS se le esquilme es un pecado. En todo se notarían las sugerencias de la pobreza, y eso que este año no ha habido Concurso de piano que suele llevarse el gato al agua. Sesenta años y por primera vez se anula el tradicional y sustancioso programa, se reducen las que siempre fueron invitaciones más que generosas, e incluso se cambia -para perjuicio de la costumbre- el habitual e histórico hotel.

Fueron seis mis días de estancia (y que conste que me considero un privilegiado al que dirección y Festival en general trataron como a un príncipe).

Otelo

En los espectáculos menores de los marcos historicos La Scola Gregoriana Brugensis tuvo buena voluntad pero deficiente afinacinación en el precioso lugar perdido de Celis (Iglesia de San Pedro).

El Maravilloso Retablo de las Maravillas Europeas, sobre textos de Cervantes y Lorca, con la oportuna recuperación de aquella histórica Barraca que viajó enseñando por la España de la Segunda República. Los Jardines de la espléndida Universidad Pontificia de Comillas fueron el marco para este joven juguete patrocinado por ACE/E, que sobre todo rememora un tiempo en el que el teatro fuese para entendimiento y disfrute del pueblo.

La sencilled y buena voluntad de la versión se llevó a cabo por  Escena Erasmus de la Universidad de Valencia dirigida por Pep Sanchís Vento.

No podía faltar en mi visita algo tan consustancial con el FIS como la subida a Laredo (nunca mejor dicho) para escuchar nuestra coral Salvé en un Carmina Burana conducido por José Luis Ocejo, su director y el del propio Festival. La versión original para dos pianos y percusión, en la que Daniel Garay me impresionara por su técnica y su arreglo virtuosista para un solo hombre, guardaba toda la riqueza del original omitidos algunos solos.

Emocionante el origen de esta macro-obra orquestada más tarde, en la que un latín decadente canta sin rubor los versos de Beuren en los que fe y sexo se mezclan, como en la vida misma, con esa desvergüenza que nos personaliza a los mortales.

Su crítica social, que los goliardos hicieron en el siglo XII, nos pone en contacto con una Iglesia distinta, humanizada y mucho más próxima. La entrega de Ocejo y el querido coro tuvo su merecido entusiasmo por parte del público que abarrotaba la Iglesia de Santa María de la Asunción.

EL SOPOR DE LA GRANDEZA

José Cura en el papel de Otelo

La monumentalidad no es pasaporte a la gloria y si no que se lo pregunten a la Plaza de las Ventas. Otelo es una ópera grande de Verdi (la más grande tras de Falstaff); pero el recurso de la versión concierto le resta ya algunos puntos. Con Otelo se inauguró el FIS el 1 de agosto. La semirepresentación resultaría aceptable; la Orquesta Sinfónica de Bilbao y su Coro aceptables también en las manos de Mario de Rose, aunque nunca se pasase a esos magníficos extremos que otras interpretaciones nos han ofrecido en disco y aún en directo muchas veces.

Era sin embargo de agradecer este empeño después de tantas óperas representadas, que en el Festival hemos visto inaugurando agosto.

El Campesino de Busseto, a sus 66 años despertado por la muerte de Manzoni, había retomado el camino del teatro con otro libro de Boito basado integramente en el drama de Shakespeare. En 1887 ve la luz “Otello” en La Scala de Milán; pero aún, el nuevo siglo había de ser  sorprendido por el artista.

Las voces (lo principal en una ópera) vamos a reducirlas a tres por espacio. Yago fue sustituido muy tarde y el barítono que lo realizó sigue estando dentro de lo aceptable, aunque su presencia, bastante vulgar, le restara fuerza. José Cura no llegó a la credibilidad que tal tenor dramático requiere, cantó sin afianzarse en la genialidad de su papel; pero, sobre todo, se encontró empequeñecido por una Desdémona más allá de lo que  pudiéramos haber pensado. Barbara Fittoli arrebató coronas a otras voces históricas. La belleza del timbre en todos los registros, representó con márgenes la inocencia, el temor, el dolor y la tragedia, construidas emocionalmente al más grande de los niveles teatrales.

Después de ella el diluvio, hasta el punto de haber visto y oido “Desdémona” en lugar del legendario nombre del moro de Venecia.

Shlomo Mintz (violín) e Itamar Golan (piano)

Solamente nos queda hablar del fracaso del Ballet Nacional de España con la coreografía que cierra la doble y larga regiduría del maestro José Antonio. El derroche de dinero (como siempre) fue obvio en esta macroproducción en homenaje -no se porqué- a las pinturas negras de Goya, auténtico infierno gigantesco de todo lo que en pintura existe.

Negro-Goya con una música desbordada de Enric Palomar, aborda, con la riqueza de su envoltorio, una repetitiva escena sin sentido, sobreabundada y superficial, que solo lo cobra en el final con el “duelo con garrotas”, prueba irrefutable de las dos Españas que todavía nos contemplan.

ALTEA, LA SORPRESA DEL SIGLO XXI

Josep Vicent es un fenómeno musical español. Es el músico, de cuantos conozco, que más sabe de espectacularidad. Su candidatura a todo lo excelente le ha permitido reembarcarse en un acontecimiento al que ya diera vida hace años y que se perdió por los devaneos político-económicos de los torpes.

Hoy, aquellas Noches del Mediterraneo han vuelto a Altea convertidas en el Insound Festival gracias a la energía creativa de un hombre que desea dotar a su espacio de nuevos destinos imprevisibles, pero creando siempre presentes hacia el futuro.

Septiembre se destapó con una nueva muestra,  que recogió desde el flamenco al minimalismo más puro, y desde el teatro de la indagación sobre nuestra sociedad en ruinas a la creatividad traducida en nueva música, fuera ya de los logogrifos de factura teórica a que se nos tiene acostumbrados desde la aparición del serialismo.

La última noche. En el centro Joan Valent (compositor y a su derecha Josep Vicen

El piano de Michael Nyman, la aventura que Los Corderos han realizado recientemente con El Mal Menor, espectáculo que me atrevo a considerar único y la música con la que este Festival 2011 cerró el ciclo, fueron mis visiones de unos días, eléctricos y eclécticos, en los que fui tratado con el respeto hacia el crítico, los cuidados hacia la edad y el amor emocionante hacia el amigo.

Tengo que citar nombres para que este recuerdo quede reflejado en algo visible aún después que yo desaparezca… Josep Vicent, su hermana María y sus padres, además de Ángela Benavent, mi ángel de la guarda. Luego, con la sinceridad que siempre me acompaña, diré que Nyman, con lo que significa en el universo de la última música tan valedora en un montón de películas inolvidables,  aquí, con su piano (profundamente mal tocado), se me hizo pesante, o, lo que es lo mismo, aburrido.

Los Corderos me impactaron con su teatro nuevo, ganador del Premio al Mejor Montaje de este año, que plantea un espacio diferente en un ejercicio sin fronteras donde lo físico reclama un comportamiento circense. Emulsión de valores, contorsiones ideológicas y el mal menor como mejor opción para el bien común en esta obra de escenografía revolucionaria, que reclama una belleza sin cánones reconocibles. El sábado 3 de septiembre asistí al espíritu que emana de una vanguardia protegida por el intelecto y dibujada con la paleta del patetismo más audaz.

UN RITUAL PARA MÁS ALLÁ DE LA MÚSICA

Josep Vicent (rey de la percusión española) / La última noche. Cristina Pato al piano

La Plaza del Agua fue, en la noche del domingo 4, otro aparato técnico más que se abría a la memoria. Paisaje camuflado entre las proyecciones visuales que ritmaban con el espectro musical. La mezcla hubiera sido sorprendente si no saliera de la mente sin reguladores de unos compositores carentes de los frenos de las convenciones.

Cuerdas, percusión (Carles Salvador, José Francisco Crespo y Bruno Zandalias), electrónica (Live-Cinema con Óscar Testón-otu), piano y gaita (Cristina Pato), violín solista (Ana Vemic) y dirigiéndose a sí mismo (a Joan Valent y a Cristina Pato) Josep Vicent, adulterando el cuerpo de las tradiciones hacia una fantasía inmisericorde, espectacular e insumisa, que ponía en tela de juicio tanta contemporaneidad yacente en la paz de los cementerios.

El programa, compuesto de nueve apariciones, me dejó perplejo por mucho que hubiera esperado dadas mis anteriores experiencias. Todo, cargado de energía, se unía ante el sepelio de tanta música sin pulso como venimos escuchando. Locamente dispar, como la paleta cromática del mundo, rescatada en la enorme diversidad cultural, la música estaba unida por la humildad de lo genial. Incluso se rescató el clasicismo con un auténtico “concierto de violín” que se hará histórico, en el que Valent convierte la filmografía de sus sueños en música. El frenético final de una “muñeira”, folk con que Cristina Pato hirvió con su gaita galega única, cerró la noche.

MADRID ANTES DE TIEMPO

La Bella (Ballets de Monte-Carlo) / La Bella, coreografía de Jean-Christophe Maillot

No es octubre, mes en que comienzan los colegios, la universidad y los ciclos de música, danza y teatro que me mantienen preso al abismal capítulo de espectáculos de esta ciudad. Ya solo viajaré puntualmente; pero antes que se pronunciara el otoño, con el alfombrado de hojas doradas de las calles, asistí a dos acontecimientos con distinta fortuna. El Teatro Real iniciaba,  marginal a su sistema de óperas, un ballet caro y multitudinario basado en el universal cuento de Perrault La bella durmiente del bosque.

Los Ballets de Monte-Carlo habían consumido casi dos horas para la absoluta revisión de la tradicional coreografía de Petipa con música de Tchaikovsky. Jean-Christophe Maillot (director y coreógrafo de la pieza) declinó de volver a repetir, regalándonos la confusión de un argumento intrincado, con buen envoltorio escénico (Ernest Pignon-Ernest),  de vestuario (Philippe Guillotel) y de luces (Dominique Drillot), mostrando unos bailarines adecuados, si no tan soberbios como lo serían Chris Roelandt (el Príncipe), Anja Bejerend (la Bella), Mimoza Koike (el Hada de las Lilas) y, sobre todo, Carabosse (Jerôme Marchand), perjudicado por las repeticiones.

Mezclada la música con Romeo y Julieta el aporte es mínimo y la confusión aún mayor. En fin, cuando una “función” resulta larga entra en el campo de la “disfunción” por muy aplaudida que fuese, y al final no lo fue tanto.

Patrocinaba la Fundación Loewe.

COMBATE DE NEGRO Y DE PERROS

Nos queda para un próximo número debido a la inexistencia de fotos.

*NOTA ACLARATIVA: Confieso que mi incultura sobre el santoral me ha hecho confundir a San Miguel Arcangel con San Martín, donador de su capa en la leyenda; pero el resultado convenía tanto a la vuelta del calor que lo he dejado tal cual agradecido ante el error.

VÍCTOR M. BURELL

Fotografías:

SEGOVIA: Rosa Blanco

SANTANDER: Fernando Baños

ALTEA: Warren Ganser

TEATRO REAL (LA BELLA): Javier del Real

Agosto se va pasando como nunca a caballo del silencio. La pobreza salpicó los festivales y aquí me tenéis, en Madrid, retranqueado del júbilo veraniego, apurando el descanso y con las ganas de escribir enmendadas por la sisa de los días hábiles, demasiado parecidos de la mañana a la noche a pesar de los devaneos de la luz.

Está medio nublado, emerge el sol calenturiento y precisamente la noche parece haber pactado con el diablo para la tibieza pesante que anuncia la repetición de las horas día tras día. Cuando escribo es 21 de agosto, ya 21 de agosto y tengo dejados algunos retales del Madrid último; pero sobre todo esos dos acontecimientos que, año tras año, significan los meses caniculares para que nos desplacemos desde los desiertos apetecibles de la capital dormida a sitios que, como Segovia y Cantabria, son más acogedores.

Pero a pesar de la falta de medios, que tanto sufrimos acongojados hasta el punto de que nuestra epitelial izquierda está defenestrada, el Festival heroico de la Fundación Don Juan de Borbón y el ya, con este sesenta año deslucido de una Cantabria bastante desconocida haciendo aguas hasta el punto de carecer de la publicación habitual, requieren de un artículo a parte en respeto a su historia, en la que el fraude se posesiona como en todo, mientras que en otros campos se dilapida “sin-vergüenza”, como si la historia no fuese la misma para todos.

Éste, que es sencillamente un prólogo cuyo postre se anunciará el 20 de noviembre (el tradicional trimestre), para conmemorar otra vez la muerte de Franco que parece resucitado en estos días todavía de Zapatero.

Nuestra habilidad para los “remakes” es inconfundible. Malsana y corporativa lo va embrollando todo hasta el punto de que, cuando queremos simular un acontecimiento damos a luz una pasmosa vergüenza, o en otros diccionarios la gilipollez más inconmensurable previsible.

Porque ¡vaya tela! Esta última semana se ha destapado con margen todo lo que la Iglesia Católica supone en este país subdesarrollado, de manera que con las cosas que me quedaron antes de la Segovia juliana y la primera semana de este mes del Norte, voy a hacer intervenir la desvergonzada aparición de Benedicto XVI para completar una página absolutamente irracional.

LO MEJOR DE TODO, EN EL SELLO VERSO: VARIACIONES GOLDBERG DE BACH POR EULÀLIA SOLÉ

Aunque nunca suelo aportar discografía en estas páginas, una ocasión como ésta merece de mi atención especial. Puesto que el número “3” siempre es considerado como mágico, vamos a respetar la tradición al juntarse Variaciones Goldberg, Bach el grande y Eulàlia Solé, la pianista que lo interpreta.

No podemos evadirnos del milagro de ésta obra monumental de plena madurez, que de una idea levanta una catedral musical equiparable a Lyon o Burgos, por no extendernos en más ejemplos del gótico.

Dos manuales de clave llevan a sus últimas consecuencias del contrapunto. La dificultad de ejecución requiere de una soberbia técnica que además exige la asistencia de los dos teclados; pero se ha podido demostrar el piano como posible fuente de expresión.

Tras el “aria” inaugural, el bajo de la chacona cimenta con su repetición la intrepidez de la obra, ejemplo de máxima articulación en torno a un único bajo. Diez grupos de tres variaciones configuran la espléndida arquitectura que alcanza un ciclo que concurre en la perfecta unidad.

La obra está dividida además en dos mitades simétricas y el ciclo compuesto en Sol Mayor y Sol menor. El esoterismo como interpretación ha acompañado siempre a estas Variaciones por estar impregnadas de lo que podemos denominar espíritu.

Sostiene Marta Espinós en las notas al libreto que Solé abarca las dimensiones celestial, terrenal y aún la unión de ambas, produciendo un descubrimiento sin que desaparezca el misterio. Como afirmó Anton Webern: todo ocurre en Bach.

JOSE MANUEL MONTERO A LA SOMBRA DE MAHLER

Juan Antonio Álvarez Parejo (pianista) y José Manuel Montero (tenor)

Hacía tiempo que no disfrutaba del espacio de El Olivar de Castillejo. Campo… y la ciudad a lo lejos, y en el corazón unos pocos elegidos escuchando Liszt y Mahler como privilegio muy especial. Juan Antonio Álvarez Parejo al piano y Montero como tenor definieron un programa emocionante en el que aparecieron poemas de Schiller, Göethe y Heine y para cerrar bastantes de los Des Knaben Wunderhorn, abochornándonos que el tenor toledano no haya cantado aún en los recitales de La Zarzuela, habiéndolo hecho mejor que muchos de los sofisticados barítonos que actúan tras un Mahler casi siempre desnaturalizado.

RAPSODIA, BALLET DE CARLOS VILÁN

En el Nuevo Teatro Alcalá vimos desangrarse el espectáculo de Carlos Vilán que en pocos días vivió los problemas de su falta de publicitación con una inmerecida escasez de público. Obligación mía es denunciar la imperdonable acción de los teatros que no defienden su contenido ni aún tratándose de un acierto. Trinidad Artiguez, Genma Morado, Juan Carlos Calleja, David Sánchez Bárcena y el propio Vilán capitaneaban un equipo impecable que nos ha dado lecciones de baile español (incluyendo la danza bolera). Muchos han sido los trasgresores del ballet oficial que terminaré comentando en el Palacio de Festivales de Santander.

“Rapsodia” merece reponerse con el correspondiente conocimiento de un público que ama nuestro baile y no tiene demasiado tiempo para esperarlo, aunque en breve el formidable Najarro se hará cargo por fin del Ballet Nacional.

Y TOSCA, A LO GRANDE, CIERRA EL REAL

No puedo citar más retales del verano puesto que “Angelhada” del escandaloso Pavlovsky dejó de escandalizar en la “sala pequeña” del Teatro Español, y por lo mismo de interesar con sus repeticiones de poca chispa.

El Real cerró con una “Tosca” de escena aceptable menos la del ridículo suicidio de Floria, sustituyendo Saint Angelo por una trampilla en el suelo. El director Renato Palumbo llevó bien el pulso del drama servida la escenografía general de Frigerio y el vestuario acertado de Franca Squarciapino.

Después de emocionarnos con Violeta Hurmana en el papel principal citaremos escasamente al barón de Lado Ataneli y poco más. El Cavaradossi de Marco Berti no estuvo a la altura.

¡VAYA TELA!

Ahora ha habido en el ambiente muchos momentos que nos recordaron al invicto caudillo. El Papa se ha apoderado de Madrid durante cuatro fechas entrando ridículamente por el arco central de la Puerta de Alcalá. Ahí comenzó el despropósito de un país, liberado por ley del yugo religioso, que pone el culo al sol del Vaticano recibiendo apoteósicamente a un pontífice que tiene mucho que ocultar y que ha venido cuatro veces.

Nací seguramente al pie de un crucifijo, pero a estas alturas de mi vida creo que eso es solamente una anécdota, ya que no entiendo nada de lo que me cuentan al respecto.

Los jóvenes, con ojos asombrados, pertenecían inequívocamente a un grupo que tampoco cree pero utiliza las ventajas de parecerlo. Bien intencionados cantan y bailan para demostrar que se aman castamente, cosa que es mentira; pero los jefes son muy listos y tienen miedo de que se les vayan quedando vacíos los seminarios. Es decir, intentan comprarse gente para seguir siendo bastantes y mantener el poder.

Otra vez se ha perdido la oportunidad de inducir a pensar a los jóvenes, y aquellos que les dominan se dan cuenta de que quizás sea imprescindible hacer absurdos proyectos para darse cuenta que el milagro no es más que una gorrita y no parar de cantar y dar la lata.

Las vallas con la muerte en África nos las han ocultado durante la concentración como se ha ocultado la publicidad de los preservativos, aunque se hayan utilizado con largueza. En realidad lo hemos pasado muy mal estos días al destrozársenos la vida normal impidiéndonos utilizar nuestros transportes, caminar con tranquilidad a nuestras casas o tomar café en nuestro café de la esquina. Agredidos por el despropósito ha surgido la agresividad: policías sin identificar y porrazos; en resumen una sensación desagradable constantemente por algo que se repetirá seguro, sin merecer la pena, con la derecha en el poder.

Todos suponemos que Dios no existe, los jefazos los primeros, aunque todo lo bueno imaginable pueda hacerse sin esa moral ilógica que canta, baila y tiende (a través de España) a hacerse con el mercado de este Pontífice: la incultura esencial de Sudamérica.

Naturalmente hay gusto para todos; pero estos de que hablo deben mantenerse menos públicos para no hacer estragos ni en la auténtica moral ni sobre todo en la ciencia, contra la que exhibe constantemente su repulsa la religión. Catolicismo y protestantismo muestran la desvergüenza de sus imposiciones, a través la primera de un jefe que ignora en sus declaraciones los derechos luchados contra el oscurantismo.

Después de la posible inexistencia de Jesús, o en todo caso su tergiversación absoluta de personalidad con la interpretación de la Iglesia, parece no haber quedado en este caso más remedio que entronizar a un Pontífice con una clara juventud nazi, y una popularizada conducta en Munich, durante sus estudios teológicos, que ponía de manifiesto cuan poco accesible resulta la castidad para los que la promulgan. Prohibiciones condenatorias pesan sin embargo sobre los problemas que entre los clérigos (recuérdense los muchos obispos pederastas) suelen resolverse en “petit comité” por no querer salirse (nunca mejor dicho) del “círculo vicioso” de la regla.

Sin embargo la ley del embudo se asienta sobre la farsa. Debemos recordar las manifestaciones de Bernardin de Saint Pierre que abochornara con datos los reinados de Pío XI y Pío XII (gran valedor de Franco) casi un siglo atrás.

Nihil obstat quominus imprimatur.

Víctor M. Burell

Panorámica de Madrid

Madrid ha vuelto a plantarle cara a su actual destino. Se ha llenado de música poniendo a Beethoven como rompedor de aquellas mansedumbres. Neptuno fue testigo del hervidero de protestas antiguas, empolvadas y vestidas de domingo actual: pantalones sin raya y cabezas sin pelo muchas veces.

Los políticos, calmados por los jefes, se mantienen ocultos. No quieren discutir sus “derechos” que tantos Robin Hood quieren arrebatarlos. Costó mucho tiempo engañar y ahora no es cuestión de poner en tela de juicio tanta miseria.

Flockwork

El capital -fascinador de turno- intenta ahuyentar los buenos propósitos aunque espero que  sea tarde, que la bola engordada espachurre a los que desde hace tanto ostentan el  poder en nombre de una democracia irrisoria que solo se baraja en los titulares de los periódicos o en las cadenas de televisión dominados.

Mientras que nosotros hacemos ruido, ellos, recalcitrantes en su silencio, esperan callados que triunfen las sombras. Pero también suenan, los oímos burbujear con sus alientos fétidos en sus lechos agostados de otra idea que no sea enriquecerse. Son ríos que, aún sonando, no llevan agua refrescante para lavar detritus, o para beber alzando al cielo la mirada.

Sé que nos espera un futuro con bruma en el que el PP luchará por su  hegemonía vestido de cardenal antiguo, con un San Pedro crucificado boca abajo para dificultar que diga tonterías. Pero hay que continuar, es hora Sr. Zapatero de que Vd. se marche con su sonrisa de idiota y su índice acusador de todo lo que no sea su falta tradicional de ideas. Es hora de que reviente el sol entrando por su “Puerta” legendaria.

BEETHOVEN Y OTRAS MÚSICAS

Estamos en el siglo XXI y fue de nuevo “La Coral” la que confirmó la fraternidad de los mortales abstraídos en su petición de justicia; pero no todo acabaría ahí, músicas de otros tiempos nos recordarían que este idioma sin fronteras miserabiliza cualquier otro, lo empequeñece.

Brahms, Ravel, Jolivet y Corigliano un día; Gabrieli, Ravel, J.J.Colomer y J.J.Eslava en otro, nos abrieron los oídos y el entendimiento para dar a la música su significado auténtico nada menos que a lo ancho de casi cinco siglos.

Pero tantos años de diferencia no han descuadrado el significado de ambos programas.

Jaime Martín

JAIME MARTÍN

Le conocí de niño, lo cierto es que he tenido mucho tiempo para todo. La discusión con su familia era frecuente en Santander. No debía de animarle con tanta pasión al estudio de la flauta pues abandonaba un poco sus obligaciones de secundaria. Pero era un genio, así lo ha demostrado pudiendo con todo y llegando a ser uno de los mejores flautistas del mundo.

Después de su experiencia en la JONDE arrolló en Europa, y tras instaurarse en Gran Bretaña ha empezado, ya hace tiempo, a dirigir con la misma fortuna que interpreta.

Rui Borges

El 21 de junio pudimos, en la sala de cámara del Auditorio, asistir al milagro de su batuta y de sus manos. La Orquesta salía de su chistera como el conejo de la del mago: obediente y aun puedo afirmar que entusiasmada. La formación Reina Sofía dispone ya de los muchachos-artistas como para no constituir una sorpresa si no una degustación en toda regla.

La delicadeza de “Snapshot-Circa 1909” del americano Corigliano, nacido en 1938, inició un Jolivet espectacular en la flauta de Rui Borges y una lección trascendente de dos obras -no entiendo porqué- bastante olvidadas: “Le tombeau de Couperin” de Ravel, una suite que hay que coger con pinzas para controlarla y ”Serenata Nº1 en Re Mayor” de Brahms, que con sus seis partes recorre ya el universo romántico, después más que engrandecido perfeccionado por sus cuatro sinfonías.

JOSÉ RAMÓN ENCINAR

Podemos calificar de antológico el Concierto ofrecido por la ORCAN como final de temporada en un nuevo paisaje, que aquí tuvo bastante que demostrar marcando las deficiencias del Auditorio. En la polivalente “sala verde” de los Teatros del Canal se ofreció un programa espectacular en torno a un estreno (por cierto dedicado al director José Ramón Encinar), me refiero a “Senderos de la Risa, para voces, instrumentos, electrónica y orquesta”, de J.J.Eslava, del que también se diera  “L’Oeil para cuarteto de saxofones y electrónica”, para completar la segunda parte. En la primera, y siguiendo las huellas de Gabrieli y Byrd, hablaremos de viento esparcido por un anchuroso espacio que es lo que da personalidad al sonido.

Copland con su “Fanfarria para un hombre común”; Montsalvage con la “Fanfarria para la alegría de la paz”; Ravel (Fanfarria para L’éventail de Jeanne); Juanjo Colomer (Gabrieli según San Juan); Byrd (Marcha del Conde de Oxford) y G. Gabrieli (Sonata pian’ e forte y Canzon duodecimi toni à 8), en una interpretación de excelentes músicos enormemente complicada por las panorámicas del movimiento, fue siempre correcta aunque no le hubiese venido mal -estoy seguro- un mayor número de ensayos.

De izda. a dcha. Jerónimo Marín (barítono), J.J. Eslava (compositor) y José Ramón Encinar (director)

El encuentro con J.J.Eslava, navarro nacido en Gijón en 1970, sería el argumento que daba finalmente a la sesión el carácter de extraordinaria. Mimada por la batuta de Encinar “Senderos de la risa…” (estreno de obra encargo de la Comunidad de Madrid) es una continuación de otras anteriores en torno al gesto musical y su relación con la notación, aunque en este caso los efectivos se amplían hasta necesitar de una orquesta sinfónica con tratamientos diferentes, llegando a convertirse en auténticos grupos camelísticos.

Como en “L’Oeil …” introduce algunos textos de Bataille y aun del propio Eslava, experimentando con su fonética para convertirlos en una materia sonora homenaje al gesto de la risa, en esa vertiente indómita que germina con humus procedentes del inconsciente, desde lo espontáneo hasta su transformación orquestal.

Como metáfora de lo humano la risa es un movimiento irregularmente periódico, que oscila entre las resonancias de los límites de un tiempo definido y soberano.

LA DANZA, EL CUERPO SIN FRONTERAS

En esta ocasión no he pasado por los cuerpos estructurando la huella de su reflejo, los cuerpos han pasado por mí dándome otras dimensiones, porque la danza puede, incluso, cambiar la verticalidad cuando el coreógrafo ha entendido los procesos de la naturaleza, secretos tantas veces, los que destruyendo con saña la paz hacia la muerte se convierten en la misma muerte, enloquecida, rompiendo el pacto de las estéticas.

Órbitas y derivas CND2

La lucha enardecida de las puntas y las extensiones antigravitatorias son un humilde recuerdo de esa lucha. Ahora hirviendo, porqué no, en el mundo virtual y en el encuentro con la distorsión, la danza aparece sucesora de la línea en la que Picasso perseverara.

Bach, redivivo, nos instala en la infrecuencia de su nada, nos dispone ante el blanco y el negro de su luz, nos baña de carencias para anunciarnos que el cuerpo es una cosa, a veces transparente, a veces tan densa como el plomo, el que hervido construye imágenes impensables.

Cinco coreógrafos, y un colofón que tan solo exhibió la sublime belleza de un caballo blanco, pronuncian el escándalo rompedor, la aventura, poco analizable, del hombre con el hombre.

Arcángelo

La Compañía Nacional de Danza (tan alejada de El Real) sutilizó en La Zarzuela su triple programa final de Palito dirigiendo, en el que volvimos a ver un “clásico” del valenciano, “Arcángelo”; un estreno de Ángeles Margarit, en el que la cinética juega su papel espacial donde los cuerpos se necesitan tanto para acumularse como para quedar dispersos. La física domina las órbitas que, según dice Ángeles, tratan de ser un homenaje a las palabras de Octavio Paz. El tumulto es un echo en el que el bailarín acumula muchos de sus resortes de suspensión, caída e impulso para transmitir el río de la sangre.

A pesar de algunas consideraciones de “infantil”, Alexander Ekman, a mi juicio, ganó la partida para convertirse en el cierre de un espectáculo que nos entrara por el pecho (Arcángelo, una bacanal estética), para salirnos radicalmente por las tripas. La viveza de “Flockwork” nos puede desde el principio con su característica de gran espectáculo que se mueve perfectamente, como sin querer, para crear algo “sorprendente”, y ésta es la palabra que define lo distinto en este juego donde personas y cosas se coordinan en la locura de un andamiaje perfectamente construido.

PROJECTS IN MOVEMENT

“Para nosotros -dice Sharon Fridman- la danza es un sistema de comunicación diferente, un espacio desconocido que nos ofrece otras maneras de ser o estar”.

¿Quién es Sharon Fridman? Éste israelita, que descubriera Madrid en 2006 y todavía no se ha ido, cumple el rito de la investigación y el desarrollo de un lenguaje, por eso nos ha enganchado en su entusiasmo debiendo pedir, en cuantos ritos conozcamos, que permanezca a nuestro lado creando para una imaginación que se hace táctil a través de sus descubrimientos.

Al menos dos caras. Foto de Iván y Nacho Azagra

Al menos dos caras. Foto de Iván y Nacho Azagra

Él es uno de esos descubrimientos en el “planeta danza” y “Al menos dos caras” ratifica mis palabras. En el Teatro Pradillo, dentro del Festival de Otoño en Primavera, Fridman y Arthur Bernard Basin presentaron esta coreografía (de unos 45 minutos de duración) completada por una puesta en escena espectacular de la escenografía realizada por la Oficina 4play Arquitectura. Los intérpretes (dos) fueron los mismos coreógrafos.

El hombre es un cubículo cerrado, casi hermético, donde la única complicidad que siente con el “otro” es la de pertenecer a la misma especie. Dos caras -como en el teatro griego- se miran sin reconocerse. El todo de la coreografía incluye la máquina, otro eslabón de nuestra interrumpida cadena.

La máquina es ”el lugar”, el habitat con exterior e interior (como el del propio hombre) que se mueve dejando a sus personajes fuera o dentro, repartidos en un espacio agobiante o abierto al exterior. Hay convivencia necesaria, incluso ayudas, aunque nunca entendimiento.

El alma, ese subterfugio inexplicable, se retrata en los límites de sus paredes que ambos bailarines sortean o comparten en un trío formidablemente nuevo, sumiso a las reglas del genio creativo-interpretativo de Sharon, Arthur y la máquina.

DEL RECONOCIMIENTO DE LO CLASÍCO AL ESCÁNDALO CON MOTIVO

Flamenco para Traviata

Después de hacer notar el confusionismo de Távora en el Teatro Fernán Gómez con su “Flamenco para Traviata”, en el que la “melange” da como resultado una confusa ensalada entre Verdi y lo nuestro, solo podemos destacar los pies de El Mistela, el cante de Javier Allende y el soberbio caballo blanco que ya hemos citado.

Pasamos ahora a los dos espectáculos punta de la temporada: uno que vuelve a airear la Giselle de Adam (también en el Fernán Gómez) y la más que rompedora destrozadora coreografía “Un poco de ternura, ¡burdel de mierda!” (exhibida en las naves de El Matadero), segunda parte del tríptico Sociología y otras utopías contemporáneas por Dave St-Pierre que dirige la pieza artísticamente.

Giselle. Aileen Gallinera y Jesús Pastor. Foto de José Rodenas

OTRA GISELLE PARA LA HISTORIA

Después de la Giselle del Cullberg parecía imposible una nueva aparición de este espíritu femenino despegado de la venganza para entrar definitivamente en el amor. David Campos ha conseguido, burlando al tiempo romántico de Gautier y utilizando un extraordinario proceso virtual de imágenes, dar con la otra Giselle siglo XXI.

Jesús Pastor en Giselle. Foto de José Rodenas

Ella sigue siendo la imagen adolescente que, en éste caso, muere directamente bajo la violencia del varón. Aquí la fuerza física utilizada en la violación se da en la sordidez de un barrio cubierto de graffitis. Todo ese mundo nos pertenece, lo entendemos desde la música de un mp3 reproduciendo a Adolph Adams a una fiesta verificable de nuestros días.

El metro, que pasa devorador dejando las estaciones en un silencio de muerte, es nuestro signo; pero las giselles existen ahora como siempre existieron convirtiendo simplemente su desgracia en desamor.

David Campos, por medio de Aileen Gallinera y Jesús Pastor (ambos formidables), resucita lo que es ya un mito histórico que hace despertar a la juventud en un paisaje perdido y reencontrado en la violencia urbana que nos acosa.

ENCUENTRO Y DESENCUENTRO. LA CARNE SIN TAPUJOS

Que algunas personas -no demasiadas- se salieran al principio de la representación dice mucho en torno a lo novedoso. Hoy, escandalizar en un teatro resulta casi imposible; pero trece desnudos integrales (8 hombres y 5  mujeres) triscando por las butacas, colocándonos el sexo por cabecera fue mucho para algunos.

Nos han vestido desde niños, nos han refugiado en definitiva en el suburbio de nuestros pensamientos, en el que como mucho la terapia de la confesión permitía el libidinoso juego de la complicidad.

No sabemos estar desnudos sin “eso” que nos separa de los contactos o de las huidas de los mismos. Como fieras rugimos de insatisfacción, y como gatos nos rebozamos cuerpo a cuerpo como si la carne pudiese traspasar la carne. En palabras de Dave St-Pierre “tropezó con seres humanos, experimentó su esplendor, su temeridad, su falta de disciplina y su corazón tan grande como el universo”. Hombres y mujeres que se buscan y en ocasiones aún se aman.

Un poco de ternura, ¡burdel de mierda! Foto de Dave St-Pierre

La visceralidad pudo con la actuación por tanto vivimos más que soñamos y al poco nos manteníamos atados a las escasas palabras hábiles perdidos en su destreza, su ofuscación, su infierno y su paraíso, mezcla natural de las fuerzas que dan forma a la realidad desesperada del lenguaje del amor.

La coreografía gigantescamente animal es un plano horizontal de bailarines tumbados en su destino, patinando sobre el agua con todo lo que tienen para dar: sus vientres, sus caderas, sus espaldas, sus nalgas y su sexo cubriendo distancias en un juego como de cochecitos de choque, que no chocan hasta que buscándose se duermen de dos en dos sencillamente para no dormir solos.

Orquesta de Cámara Sony de la ESMRS

Víctor M. Burell

Les Arts Florissants.- Foto de Philippe Matsas.

Desde que cantamos bajo la lluvia, impertérrita nuestra alegría abrazados a las farolas, comprendimos que todo puede ser música. Todo, o músicas celestiales que incluso impregnan nuestras caries en el sillón de los dentistas, o músicas amargas que se combinan, como una partitura aleatoria, cuando rugimos de desconsuelo ante la injusticia universal.

¡No matéis a los delfines! -gritamos-, y los sujetos se arman de piedras para lapidar a la adúltera que percibe la persecución religiosa desde el otro lado de la iracúndia. Mientras se esquilma el marfil de los elefantes, y se asolan los pastos para construir viviendas, los homosexuales caen bajo el hacha de los que afirman la homofobia como una forma de vida sin variantes.

Para llegar a la verdad, que aparece nítida tras el camino recto de la esperanza, damos vueltas de tuerca estremecedora buscando, dolorosamente, como acallar las músicas que al final no podemos acallar.

Todo es música. El cielo y el infierno se distienden por los caminos de algunos pentagramas imparables, que declinan nuestras ansias para quitarnos una razón que regularmente no tenemos.

Aunque seguimos el diario de nuestro trabajo subyugante que va desde la música antigua a la contemporánea, no por eso el sonido nos separa de la vida misma, la vida que lo impregna todo, incluso esos días con el desencanto de la fiebre de exigencias frente al mundo de la política que, como caballo en la cacharrería, hace astillas la clara loza del alma que es la música.

Es cierto que en ocasiones nos desligamos del canto acompasado, del genuino movimiento de los cuerpos acariciados de notas, de la palabra trasmisora del pensamiento para recordarnos que todo está incitado por la sordera, aunque al final no se puede acallar el aria, el lied o la romanza,: y el cuchillo traspasa el vértigo de los siglos dándonos razones para seguir amando.

UN TIEMPO IMPARABLE PERO PARADO

No tenemos más que echar un vistazo atrás para darnos cuenta que la noticia de arte se ha convertido en denuncia político-económica. El 15M exigió esa parada ambigua hablando del cáncer sin riesgo de desarticular la belleza del patinaje sobre hielo. Frío en los corazones porque decimos no al resguardo de las pieles. El arte se cuela por los rincones de sombra de los hombres que no lo reconocen enceguecidos por el brillo del oro, puesto que ninguna otra cuestión los anima.

Perder privilegios es tan grave que divide a la sociedad en dos bandos: los que tienen y los que no. Y mientras que los primeros defienden insolidariamente sus prevendas, los últimos suelen esperar, sin esperanza verdadera, el cambio hacia el ejercicio de la equidad.

Las grandes plazas se han convertido en solidarias sin fecha, persiguiendo, pariendo música incluso como si nada pasara, aunque realmente -ya podemos afirmarlo- está pasando y mucho.

EL TESTIMONIO DEL CALENDARIO

De casi todo lo visto voy a hablar bien, aunque los espectáculos no puedan ser calificados con la misma nota. El tiempo se cerró, en la segunda semana de junio con Yo, Dalí en el teatro de La Zarzuela, una coproducción de Operadhoy, Teatro de la calle de Jovellanos y Gran Teatro del Liceo. Otra introducción de lo catalán, pero después de la solidaridad revolucionaria.

Con libreto de Jaime Salom, Xavier Benguerel ha compuesto esta ópera en pequeños cuadros que trata de reflejar, de manera bastante superficial, la vida (sin meterse en materia creativa) del pintor nacido en 1904. Queriendo llegar a un drama real del amor, la obra está circuncidada desde el principio para demostrar una torpeza en la que ni lo cómico ni lo dramático cobran auténtico sentido.

La música, repetitiva y pesante, aburre y se desarrolla en una sala semi-llena proporcionando una terrible sensación de semi-vacía.

Los coros sobresalieron dentro del todo que enarbolara la bandera de lo esperpéntico en la que Gala lo es todo. Los timbres se suceden sin provocar alteraciones suficientes como para hacernos despertar del sopor. Yo, con una salida extemporánea de Jesucristo Superstar, abandoné el teatro.

12 DE MAYO: LOS GAVILANES

Zarzuela de Jacinto Guerrero con libreto de José ramos Martín, en versión semiescenificada que la Orquesta y Coro Filarmonía ofrecieron en la sala sinfónica del Auditorio Nacional bajo la dirección de Pascual Osa con los siguientes solistas: Guillermo Orozco (barítono) en Juan, Rosa Miranda y Magdalena Llamas (sopranos), en Adriana y Rosaura respectivamente y José Manuel Montero (tenor) en Gustavo, más un largo etcétera que funcionó con la perfección que esta formación utiliza siempre que pone en pie una obra de la época dorada de nuestra lírica.

Los Gavilanes. Fotografía cedida por el Teatro de La Zarzuela.

El tema del indiano repite escena para dar a los años 20 el triunfo decisivo del compositor manchego. Lo que se canta es sincero y ello trasciende cuando una batuta como la de Osa se empeña en resucitar una época popular en la que el público afectado e infectado sale ya tarareando las posesivas romanzas.

Las voces principales fueron extraordinarias, transgrediendo nuestros silencios de espaldas a una realidad que, como ésta, despierta con facilidad las apetencias de varias generaciones.

16 DE MAYO: ANGELIKA KIRCHSCHLAGER

Angélica Kirchschlager

Mezzosoprano austriaca formada en el corazón de Salzburgo, acompañada por el pianista vienés Helmut Deutsch, a mi juicio más solvente que la propia cantante.

Angelika, en su programa Schubert, Mahler, Brahms, Liszt en el Teatro de La Zarzuela, no se significó por defecto alguno, aunque no consiguió los límites de emoción que tantas veces aparecen en estos ciclos.

Aplaudir es una práctica excesivamente extendida, pero aún a través de éste sonido surge, o no, ese clima en el que el silencio se combina para hacer de las respiraciones contenidas el verdadero fondo de la emoción.

2 Y 3 DE JUNIO: XXVIII FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA

En sus últimos estertores las Naves del Español (Matadero de Madrid, sala 1) y la Sala Roja de los Teatros del Canal se despedían con danza y teatro respectivamente.

La Curva, de Israel Galván, inmersa en el amplio calendario de sus prospecciones aúna idiomas distintos para convencernos de que todo evoluciona, incluso el flamenco que muchos se empeñan en congelar en sus moldes más tradicionales.

Todo viene a partir del silencio. Incluso la creación del mundo debió partir del mismo.

Israel Galván. La Curva © Félix Vazquez.

El silencio inunda el alma que, con un solo ojo abierto a medias, se percata de lo que va a ser el cambio, el movimiento. Galván, aparcado al final, en la soledad del momento se adapta a las nuevas músicas. Su cuerpo desea hacer habitable un mundo nuevo sin respuesta. Todo se comunica desde que él afirma que esta CURVA nace de su familiaridad con el silencio tras haber desestructurado los recitales. Lo jondo y la vanguardia (dos mujeres: canto y piano) se combinan en una forma circular y por tanto de reencuentro.

Inés, Sylvie, Bobote (escudero del compás) y Galván configuran un osado espectáculo donde el proceso de improvisación se hace movimiento distinto, pero si cabe más flamenco que lo que entendemos como tal. Escudero y Pina Bausch resucitan en un sortilegio tragados por el polvo, rotos por el ruido de un caudal de sillas derruidas.

El State Academic Vakhtangov Theatre dice adiós al teatro puro tan soberbiamente bien tratado en el Festival. Se ha estrenado en España el espectáculo ruso de M. Lermontov Baile de máscaras. Se trata de una locura en la que el texto apoyado en el Otelo de Shakespeare se multiplica en una acción cuyo testigo es la nieve. La bola va creciendo a medida que crece la intensidad del drama, dándonos la sensación de que pertenecemos al paisaje que nos circunda. La aparición y desaparición de la masa hace hervir una escena que termina explicándose por el más puro de los verbos.

Cia. Rimas Tuminas. Baile de máscras (c) Valery Miasnikov.

El discurso habitual de “cuarto de estar” se disuelve en un espectáculo con aspecto de opereta con escena iconoclasta de patines sobre hielo, nunca sometida al dialogo. El artificio vence sobre el argumento saliéndose de su representatividad para ocupar un lado de la vida que no refleja nítidamente la vida y ni si quiera el teatro que suele representarla.

8 DE JUNIO

Juventudes Musicales sin ningún tipo de sorpresa que avale su nombre continúa con los espectáculos de primera magnitud por lo que se refiere a nombres.

William Christie. Foto de Ana Bloom

Le Jardin des Voix 2011. Les arts Florisants, dirigidos por el magnífico William Chistie con un conjunto de adecuadísimos solistas jóvenes interpretaron, en el Auditorio Nacional, Lully, Lambert y Charpentier con el tradicional sello de veracidad que les significa.

Dos sopranos, dos tenores, una mezzo y un bajo se enfrentaron con el barroco francés del siglo XVII, dando así envite al género operístico nacido en Florencia.

Las memorias de Luis XIV reivindican una sociedad de placeres signo de magnificencia y, ¿cómo no?, domesticación de la nobleza para evitar problemas como los de La Fronda, con lo que se llegó a un modelo de poder absoluto.

Se trata casi siempre de ballets interpretados por los grandes de la corte, llamados “Divertissements de Versailles”, inmersos en el género pastoril que viene a reflejar una vida sencilla sin contaminación, una máscara idealizada del retrato social.

Estamos ante lo que en la época significaría el placer de los sentidos, que en esta ocasión se ha transmitido con un concierto patrocinado por Telefónica

Divertissements de Versailles.

VÍCTOR M, BURELL